Musique-indie

Vidéo: OK GO, Needing/getting (2012)

2012-02-06T03:40:00.000-08:00

Il y a des choses dont il serait criminel de passer à côté. Ce n'est pas vraiment un clip, c'est une nouvelle vidéo d'OK GO, le groupe magistral qui s'est déjà fait remarqué pour ces vidéos d'une extraordinaire créativité ( Here it goes again, ou encore This too shall pass et notamment pour son travail en HTML 5 sur le clip all is not Lost). Ces petits génies se sont invité à la mi-temps du super bowl 2012 avec cette vidéo promotionnelle pour Chevrolet.

Ainsi, dans leur Chevy Sonic équipée de bras rétractables dignes des gadgets de K2000, ils vont s'amuser à chanter leur titre Needing/Getting en cognant 1500 instruments de musiques (288 guitares, 55 pianos et 1157 autres instruments fabriqués maison), Un travail qui aura quand même nécessité 4 mois de préparation et pas mal d'heures de conduite pour Damian le chanteur.

C'est quand même magique d'aimer la musique....

OK Go - Needing/Getting (Clip Officiel) par Ratous

David Abel: Beyond the black Sea (2012)

2012-02-05T09:23:00.000-08:00

Il est de ces matins où histoire de changer, on a envie de douceur acoustique pour accompagner son café, une petite gourmandise folk qui nous accompagne sous la couette. Quelle chance David Abel et son premier album Beyond the black sea est arrivée dans ma boite au lettre, et il m'a apporté les croissants...

Après la sortie de The Charming Ruins son EP, David Abel ce Néo-zélandais d'origine s'est lancé dans l'enregistrement de son premier Album maison dans son petit 2 pièces de Montmartre, histoire de mettre en musique les compositions effectuées lors de ces voyages dans le désert australiens et les montagnes de Nouvelle-Zélande. Et autant le dire pour un premier album fait main, ça sonne vraiment bien.

Beyond the Black sea est un savant mélange d'arpège joyeux à la guitare acoustique suintant des riffs judicieux d'un banjo qui illumine les mélodies. En gros c'est du bon vieux folk à l'ancienne, un folk brute, en majeur, qui raconte une histoire, un folk écrit avec l'âme, et libéré des obligations de la tendance. Parce que David Abel ne fait pas dans la tendance il fait dans l'authenticité. Il ne nous promet pas quelque chose d'original il nous promet toute sa sincérité et c'est bien ça qui nous chatouille le visage au point de laisser transparaître un jolie rictus de satisfaction en écoutant ces morceaux qui respirent les posters de Elliot Smith.

Le petit plus de Davis Abel c'est d'avoir su s'entourer judicieusement pour pouvoir mettre en valeur l'étendu de son talent. Ainsi cette charmante voix féminine qui lui donne la réplique s'harmonise merveilleusement avec sa voix grave un peu suave, un peu nasillarde. David a également réussi à trouver les bonnes personnes pour mixer ses compositions. Les arrangements, presque imperceptibles, sont d'une implacable efficacité. Sur certains passages on se délecte des effets qui recouvrent délicatement le timbre du chanteur pour apporter un belle densité à certains couplets un peu redondants.

Les petits arrangements instrumentaux magnifient d'autant plus cette petite gourmandise, c'est un peu le beurre dans le croissant, ça le rend savoureux. Quand le violon s'invite à la fête, et danse avec les petites notes de piano qui s'égarent par-ci par là, ça rend chaque morceau bien plus complet que le son global qui s'en dégage. En effet le Folk c'est le danger de se laisser aller à la simplicité, et trop de jeunes artistes en herbe s'aventurent sur la piste avec une simple mélodie de guitare pour accompagner la mélodie vocale, il en va de même pour les téméraires un peu trop ambitieux qui en ajoutent sans savoir qu'en faire. David Abel prouve toute sa finesse en offrant à ses morceaux le dosage délicieux pour donner de la consistance à la garniture.

Malgré ça, l'album se montre aussi un peu jeune, l'ensemble est légèrement inégal et quelques rares morceaux sont un peu anecdotiques, il manque la petite touche magique est personnelle qui permet de distinguer la composition des autres productions folk. La plupart du temps ce sentiment est vite atténué par la richesse des arrangements. Ainsi sur Ordinary lives, la mélodie vocale et instrumentale un peu (trop) légère est très rapidement enrichie par des percussions denses et variées. A vrai dire, chaque ajout est discret mais d'une fantastique richesse à l'image des subtils passages des cuivres ou des violons récurrents sur l'album.

Au final David Abel est un bourgeon folk très prometteur qui se transformera très prochainement en fleur de l'acoustique et c'est tout le bien qu'on peut lui souhaiter.

A écouter;
- Out of the game: Pour cette merveilleuse balade où le travail vocal m'a autant scotché que la richesse instrumentale de la composition.
- Won't come looking for me : pour ce petit arpège qui respire les balades de Fionn Reagan avec toute la fraîcheur de la nouveauté, et magnifié par une délicieuse ambiance de nature et de gazouillis d'oiseaux

Dillon: This Silence Kills (2011)

2012-02-01T10:38:00.000-08:00

Dans les abysses de la musique indépendantes, de la mélodie conceptuelle où les lueurs de l'expérimentation côtoient une douceur un peu lugubre en apesanteur, je m'aventure naïf dans l'univers personnel sombre et bicolore de Dillon. Un voyage sans retour, une descente au pays des merveilles, aussi saugrenue que fascinante. Et bien comme Alice, je me suis fait tout petit...

Le premier album de cette jeune Allemande a de quoi laisser pas mal de monde sur le banc de touche tant la maturité musicale qui s'en dégage est déstabilisante. Mais d'où sort-elle celle là? Comment a t-elle composé cet ovni hypnotisant dont la parure semble si simple mais dont l'âme se révèle d'une infinie complexité créative.

Cet Album This Silence Kills c'est avant tout une musique vagabonde. Une musique volage qu'on n'attrape pas du premier coup mais qui nous nargue et qui nous séduit dès le premier coup d'oeil. Les mélodies vocales structurées autour de la redondance génèrent en nous une forme de transcendance telle une musique qui fixe notre imaginaire et qui stimule nos rêveries. Dillon c'est de la musique de voyage, une musique de train, qui nous invite à regarder par la fenêtre les paysages défiler et à commencer à penser à tout et rien. La musique jouant le rôle du marionnettiste qui guide nos pensées pour les rendre sensationnelles.

Mais il semble pourtant impossible de qualifier cet album uniquement avec les attributs des rêveurs romantiques qui stimulent leur imaginaire de voyage par la musique. Parce que Dillon nous propose avec tout ça des structures déconcertantes totalement épurées et pourtant d'une immense densité, un peu à la manière des premiers albums de la merveilleuse violoncelliste canadienne Jorane. Les arrangements sont un véritable travail d'horloger, à la fois minutieux et minuscules à la manière des mécanismes d'un gousset, ils sont absolument indispensables sous peine de rendre le travail de Dillon minimaliste, ce qui n'est pas le cas.

Pourtant, une fois la surprise passée, une fois le pays des merveilles appréhendé, on remarque timidement la jeunesse du premier album de cette improbable chanteuse, qui n'est pas tout à fait maîtrisé. On a quand même parfois le sentiment que l'album ne procure pas l'entièreté que voudrait offrir Dillon. Il y a par moments un sentiment d'inachevé (une basse qui manque, une mélodie, un enchaînement de morceau, on ressent de temps en temps une forme de frustration à ne pas pouvoir se laisser entièrement recouvrir par le drap musical de l'album. Parfois l'artiste ne nous invite pas sous la couverture et nous laisse un peu seul, à l'image de son morceau étrangement appelé ------------ ou de l’agressif abrupt clarity le dernier morceau un peu raté de l'album).

Mais malgré ça, on pardonne parce que l'on est amoureux, on concède de souffrir un peu pour écouter ses mélodies vocales portées par une extraordinaire voix aux sonorités expérimentales de Camille, un peu comme si Kate Nash supprimait toute fantaisie pour épurer ses mélodies et les rendre brutales.

This Silence Kills et un album compliqué qu'il ne faut pas aborder de la même manière que les autres, il faut accepter de se laisser glisser, le regard dans le vague, les clapotis des rails d'un train grande vitesse comme rythme et les paysages qui stimulent notre imaginaires, commandé par Dillon: marionnettiste de notre subconscient...

A écouter:
- You Flesh Against Mine: pour cette ambiance Kate Nash emprunt d'une forte mélancolie et avec des ritournelles vocales de hautes volées.
- Gumache: pour ce merveilleux duel vocal plein de variation et de surprise, bercé par une mélodie somptueusement laiteuse.

Big Deal: Light Out (2011)

2012-01-22T08:09:00.000-08:00

Big Deal est un duo déroutant. Ces deux chanteurs guitaristes londoniens déboussolent avec leurs mélodies minimalistes contemplatives de fin de soirée ou de début de journée. Ces mélodies que l'on fredonne à la lueur des premiers rayons du soleil, sans vraiment faire de bruit mais suffisamment pour capter l'attention des rares auditeurs encore debout. Big deal fait la promesse de rappeler les émotions du lycée de la génération Y, les émotions où Kurt Cobain hantait notre mélancolie naissante, ou Virgin Suicide était le symbole de la révolution sentimentale des jeunes fleurs aux pétales romantiques.

Il n'y a pas grand chose à raconter d'un point de vue musicale sur cet album Light Out, si ce n'est que ces deux jeunes nouveaux venus dans l'univers du folk pop minimalistes sont pleins d'espoirs tant l'harmonie de leurs voix est attachante, et tant la complémentarité vocale semble évidente. Mis à part ça, de quoi est-il possible de parler tant il y a peu de choses musicales dans cette oeuvre aussi épurée qu'une toile de Malevitch. Deux guitares qui s’entremêlent donnent la réplique à deux voix qui fredonnent, le plus souvent, sur la même tonalité.

Un mélange réussi de folk gratteux pour impulser un rythme qui manque cruellement avec une guitare électrique qui joue sur le même effet pendant les 12 morceaux de l'albums. Une ambiance qui magnifierait un film de Sofia Coppola tant la solitude musicale que l'on ressent ferait sourire la réalisatrice face à son thème romantique de prédilection.

Big Deal c'est une musique qui fait resurgir notre coeur d'adolescent, celui qui prend une guitare et qui compose dans sa chambre ses émotions sensées retranscrire un mal être chargé d'amour. C'est le coeur tourmenté de Kurt Cobain qui nous rappelle les sessions acoustiques de Nevermind... Une ambiance feutrée où chaque note faussement joyeuse est une plainte à soi-même.

Musicalement Big Deal c'est un peu comme si Nada Surf offrait une session intimiste avec une seule guitare à une bande de copains déjà convaincus et qu'on ne cherche pas à impressionner. Les mêmes arrangements électriques et même parfois les mêmes suites d'accords, c'est dire! Parce que c'est deux londoniens ne semblent clairement pas avoir la prétention de vouloir nous impressionner et osons le dire, avec cet album ils n'auraient, dans tous les cas, pas réussis.

En effet bien que la base soit de très grande qualité, que le challenge de nous faire revivre nos premières émotions mélancoliques soit une franche réussite, il manque beaucoup de densité à cet album un peu redondant. Les morceaux se ressemblent beaucoup, ils sont tous construits et joués de la même manière et cela devient lassant si l'on prend le pari d'écouter l'album d'une traite. Il fallait apporter des percussions rythmées sur certains morceaux (totalement inexistantes sur l'album) , il fallait jouer avec des secondes voix beaucoup plus marquées et qui auraient fait mouche vu la qualité des deux chanteurs, et surtout il fallait varier les émotions et ne pas rester dans cette jungle opaque de la tristesse un peu immature que l'on regarde avec tendresse des années plus tard.

Big deal est un album de contexte qui, à la manière des morceaux minimalistes du film Juno, doit se situer précisément pour justifier une émotion nostalgique. C'est un album d'ambiance très agréable lorsque l'émotions colle à la réalité. Finalement Big deal est un album d'adolescents (d'ailleurs vu la simplicité efficace des paroles on se demande quand ces chansons ont été composées). C'est un album destiné à ceux qui sont peu en quête de richesses musicales mais tout à fait aptes à recevoir une émotions qui nous apprend à vivre, doucement, simplement...

A écouter:
- Cool Like Kurt: pour cette richesse mélodique qui nous rappelle ce bon vieux chanteur de Nirvana, et pour ce battement de guitare qui nous ramène à la belle époque de Nada Surf.
- Pi: Pour ces minuscules arrangements qui apportent une autre dimension beaucoup trop rares à l'album mais qui annoncent clairement le potentiel de l'album si celui-ci avait été plus osé!

Bjork : Biophilia (2011)

2012-01-11T10:34:00.000-08:00

Parce que j'ai des amis qui ne l'ont même pas encore écouté, parce que je trouve qu'il est passé un peu inaperçu, parce qu'un Album de Bjork ne s'écoute pas de la même manière que le reste, j'ose évoquer Biophilia, la perle mystérieuse de l'islandaise au talent tellement démesurément atypique que cela en deviendrait inquiétant.

Bjork s'est lancé le défi technologique d'imaginer et recréer les sons de la nature en dix chansons et dix applications pour tablettes numériques.

"Des algorithmes ont été imaginés pour transcrire visuellement les sons que propulsent les éclairs, les cristaux ou l'ADN. Tout ce qui, dans la nature, fonctionne par vagues. Quand un son est produit, il provoque une oscillation. Plus il est fort, plus la courbe monte. D'une certaine façon, c'est de la physique"

Un projet conceptuel à caractère experimentalo-educativo-musical qui laisseraient les néophites marketeux se demander si Bjork n'essaye pas de surfer sur le tsunami smartphone pour ajouter quelques pesos à son porte monnaie en fourrure, mais les habitués savent fort bien qu'il n'en est rien. Lorsque l'on parle de musique Bjork ne joue pas dans cette cours là. Bien que le prix de ses places de concert soit excessivement dispendieu il n'existe pas beaucoup d'artistes aussi généreux dans leur création artistique, qu'elle soit controversée ou non.

Et une nouvelle fois Biophilia n'échappe pas à la règle des conservateurs de l'étoile pop qui attendent sans espoir le retour de ses créations des années 90, plus structurées, moins conceptuelles, moins déroutantes, parce que Biophilia est en effet déroutant! Son nouveau concept sensé être exploité jusqu'en 2014 est incontestablement un de ses plus gros projets et pourtant le son qui se dégage de l'album semble paradoxalement beaucoup plus minimaliste que ses précédentes créations.

Un instruments qui lead le morceau, une pointe de travail électronique cher à l'artiste, des choeurs mysterieux et bien sûr la voix saccadée, la voix brutale, la voix authentique et unique de Bjork pour donner le sens à tout son travail. Cet album qui, finalement, est un "concept électro folk" est construit, plus ou moins, sur ce schéma.

Alors l'auditeur attentif retrouve, comme on retrouve un amour attendu sur un quai de gare, tous les ingrédients qui font de Bjork cet improbable joyaux musical inimitable, inclassable, injustifiable: l'utilisation d'instruments souvent insolites voir inconnus, la créativité de l'utilisation d'instruments reconnus (xylophone, harpes, ...) et surtout la marque de fabrique: ses mélodies vocales tellement personnelles! Ces mélodies où l'on se demande si Bjork ne les a pas composées avant même d'écrire une seule note de musique tant elles fonctionneraient pareillement à Cappela.

Ce qui change? c'est le retour des choeurs dignes des compositions que l'on retrouve dans les Mangas Opéra movies Japonnais. Des structures vallonnées, presque décousues jamais devinables et bien souvent déroutantes, et ces choeurs qui donnent tellement de relief aux morceaux que l'on se prend à avoir le vertige à leur écoute.
Ce qui change aussi, comme souvent avec l'islandaise, c'est l'expérimentation réussie et maitrisée des sons tendances qui harpentent les prairies de la musique nouvelle. Ainsi on retrouvera un final aux rythmiques hautement Dub Step totalement déroutant et impressionnant sur Chrystalline, un moment incongrue et merveilleux à la fois.

Pourtant Biophilia n'est pas aussi incroyable que je tends à le montrer. En effet, encore une fois, Bjork expérimente et, encore une fois, elle expérimente parfois un peu trop au point de ne plus être sûr de distinguer la musique sur certains passages. Ce concept nouveau tape parfois dans nos oreilles perdues, désorientées et laissées seules dans le noir glacé et lugubre de l'esprit créatif de la chanteuse. Alors il faut parfois se battre, et certains n'aimeront pas ce combat.

La musique est généralement un laisser-aller transcendal et spirituel, où l'esprit vagabonde au grès des mélodies de l'artiste.
Bjork nous offre à la place un bon gros Fuck et nous annonce clairement "démerdez-vous". Biophilia est un album difficile, un album intraitable et surtout, sans notice. "Comprends ce que tu peux y comprendre", ce sentiment d'abandon pourra en refroidir plus d'un.

J'ai eu ce sentiment pendant un long moment jusqu'à ce que le Morceau Virus arrive dans ce déluge d'obscurité. J'ai enfin reussi à donner un mot à cet album. A l'image du nom du morceau, Biophilia est un album Organique !

C'est une introspection viscerale de la musique expérimentale et contemplative, comme si l'on mettait à nue la musique pour en décortiquer chirurgicalement chaque son. C'est donc avec la patience d'un chirurgien en neurologie qu'il faut se concentrer sur cet album malade. C'est en acceptant de négliger certains passages, plus contemplatifs que réellement créatifs, que l'on fini par toucher la magie organique de l'album. C'est un album que l'on croirait presque vivant malgré la morosité globale qui s'en dégage. Un album que l'on doit écouter en combattant avec acharnement à la manière d'un anticorps dans un organisme grippé.

Bien que s'avancer à donner un avis objectif sur le travail de Bjork soit (à mes yeux) impossible, je crois que Biophilia mérite de passer sur le billard, ne serait-ce que pour écouter certains morceaux aussi beaux qu'un battement de coeur...

A écouter:
- Virus: parce que ce virus m'a presque autant contaminé qu'Unravel à l'époque. Une merveille de xylophone et de mélodie vocale, secouée par des choeurs épiques.

- Chrystalline: pour la gifle de ce solo electro Dub step de fin de morceau qui tombe aussi soudainement qu'une quinte de toux ou qu'un éternuement.

Florence and the machine: Ceremonials (2011)

2012-01-04T02:04:00.000-08:00

Avec un peu de retard, il est temps d'évoquer le nouvel album cosmique de la délicieuse Florence And The Machine. Déjà "mainstream" pour les obèses de la musique, adeptes de la surconsommation web à usage unique, mais peut être que cette chronique aura un peu de sens pour ceux qui aiment recycler leurs découvertes artistiques modérées.

Ceremonials, à l'image du groupe qui en est à l'origine, est un album qui mérite d'être métaphorisé par les astronomes de la mélodie. Florence est une étoile brûlante qui illumine fièrement l'univers pop de ses lueurs lyriques et classiques. Son premier album Lungs était un sommet de puissance vocale qui a secoué massivement les champs d'astéroïdes ternes et dangereux qui gravitent autour des charts anglais. Alors est-ce que Ceremonials est la Super Nova attendue par les amateurs de la galaxie Pop?

Et bien avec un peu plus de nuances, je rejoins malheureusement la majorité des astromusiciens, télescope à l'oreille, qui ont observé l'étoile nous illuminer faiblement, après avoir brûlé notre rétine en 2009.
Il me semble évident que la jeune chanteuse s'est fait avalé par une production grand publique plus adeptes de la conquêtes stellaire que de l'observation admirative. Bien que généreux, l'album est épuisant. L'absence totale de nuances nous offre une continuité assez malvenue de puissance lyrique à coup de Choeurs agressifs au final assez vides de sens. La structure mélodique est beaucoup trop popisée pour être judicieuse mais Lungs possédait déjà les mêmes caractéristiques. Alors qu'est-ce qui a changé? La subtilité non d'une étoile filante !!

Où donc est passée la ligne de harpe qui orchestrait tous les morceaux du premier album et qui avait tellement personnalisé le travail de Florence and the Machine? les arrangements étouffants et beaucoup trop condensés font de cette voix lactée une caricature de systèmes solaires. Trop d'étoiles tue l'étoile! Bien que je déteste cette expression, elle exprime assez bien le trou noir dans lequel est tombé Florence sur certaines de ses compositions. Surdose d'effets lyriques, de réverbs ou d'instruments, on ne distingue parfois plus la subtilité mélodique et on se laisse engager dans un trop plein de couches arrangées (j'imagine) par une production gourmande.

Attention, je n'ai pas l'habitude d'être sévère dans mes chroniques, je préfère bien plus évoquer les artistes que j'aime (comme c'est le cas pour Florence + The machine) et m'aventurer dans l'exercice de style qui consiste à parler en bien de leur travail (les chroniques négatives sont tellement faciles à écrire). Il en va donc de même pour Ceremonials qui n'est pas un mauvais album, mais qui ne correspond pas forcément aux attentes de l'observatoire. Heureusement, certains titres illuminent fabuleusement le ciel en jouant avec tout ce qui fait la force de l'artiste? What de water gave me est l'exemple parfait de la réussite cosmique de Florence, Choeurs puissants et subtiles, harpe doucereuse, mélodie vocale efficace, évolution crescendo de la structure,... quelle dommage que tout ne soit pas de cet acabit.

Il n'empêche que cet album reste une étoile a écouter, même si celle-ci brille moins que la précédente. Une galaxie regorge bien de lumières nuancées à l'image de ces étoiles filantes...

A écouter:
- What the water Gave me: A mes yeux la manifestation évidente et frissonnante du talent de Florence et de sa machine
- Never let Me go: parce que ce côté pop surabondant révèle les faiblesses de l'album malgré une fin engageante avec un superbe vagabondage lyrique de la chanteuse qui gravite autour des choeurs de fin.

Nathaniel Rateliff: In Memory Of Loss (2010)

2011-12-08T03:26:00.001-08:00

Nathaniel Rateliff est un vagabond. Un voyageur spirituel qui se promène avec sa guitare dans les paysages musicaux des autres, et qui ramène quelques souvenirs de-ci de-là, qu'il dépose dans les chansons de son magnifique album In Memory Of Loss.

Ce jardinier-musicien américain du Missouri, emprunt d'une évidente nostalgie qu'il souffle avec sa voix nasillarde et grave dans chacune de ses mélodies, est un magnifique poète un peu mélancolique qui maîtrise l'art subtile de savoir rendre intîme toutes ses compositions.

Et pourtant, In Memory Of Loss respire la richesse artistique variée. En effet ce folkeux intîme ne se cantonne pas à cet univers qu'il maîtrise. Ses balades vagabondes l'emmènent trainer sa voix dans des lieux touristiques reconnus et intouchables: Comme cette voix aux sonorités Johnny Cash sur longing and Losing, ou cette structure mélodique façon Fink sur Brakeman et Oil And Lavender où la guitare, la basse et le piano hyper discrets donnent une fine réplique aux voix saccadées de Nathaniel. On évoquera aussi quelques "photos souvenirs" de Bob dylan, David Gray et Nick Drake dans certains autres morceaux.

C'est ainsi que cette douce mixture de folk acoustique, souvent un peu rock, parfois un peu country et subtilement soul nous transperse d'une émotion qui a des airs de déjà-vu.
Parce que ces merveilleuses influences sont un peu trop présentes et parce que Nathaniel Rateliff ne fait plus partie de ces énergumènes absolument rarissimes à l'époque. Ces artistes aux sentiments douloureux, à la voix déchirante et sincère qui balancent leur cri fragile à travers des compositions aux arrangements désertiques et aux mélodies épurées ont pris le pouvoir du folk et sont de plus en plus démocratisés.
Il suffit d'écouter mes deux précédentes chroniques pour s'en rendre compte.

Mais est-ce une raison pour ne pas apprécier à sa juste valeur ce magnifique album? non. Peu importe le vagabond tant que le voyage qu'il nous propose de traverser avec lui est aussi beau que les paysages du Missouri admirés, assis dans la paille des wagons d'un train marchandise, au couché de soleil.

Parce que ça fini par devenir une habitude, merci à 1nsomnie musicale pour cette douce découverte et de m'avoir gracieusement offert l'album. (Quand j'entends dire que le monde du Web est sauvage et impitoyable...)

A écouter:
- Oil And Lavender: pour cette immense mélancolie qui enveloppe la mélodie et pour la justesse des autre voix pleines de virilité qui interviennent aussi judicieusement que les notes de piano
- Brakeman: Symbole de l'influence Fink assez marquée pour justifier le sentiment de déjà-vu, mais suffisamment belle pour la savourer

Matthew and the Atlas: To The North (2010) EP

2011-11-25T16:22:00.001-08:00

La magie d'un blog comme celui-ci ne se trouve pas (uniquement) dans la gratification mégalo à lire ses propres articles ni dans la reconnaissance d'un milieu d'amateurs élitistes sélectionnés. La magie c'est de recevoir des messages positifs de gens qui apprécient et qui nous rappellent que nous ne connaissons pas tout l'univers du folk indie en nous proposant avec humilité leurs découvertes personnelles. C'est ainsi qu'une anonyme m'a offert de découvrir Matthew and the Atlas, et cette découverte fut un moment...magique.

Magique parce que cet artiste bouleversant touche à tout ce que le folk fait de mieux à mes yeux, sans y ajouter le pompeux ou le superflu. Ce folk mémorable où l'émotion ouvre les portes de la créativité absolue. La composition simple, efficace mais d'une brutalité déstabilisante, c'est comme ça que ces américains aux accents British de Matthew and the Atlas m'ont fait chavirer à l'image d'un Damien Rice quelques années auparavant.

La guitare sonne comme celle de Fionn Reagan: un arpège limpide, unique, qui raconte quelque chose, et sur cette mélodie Matthew ajoute avec une infinie justesse sa voix soufflée et meurtrie qui n'impose rien mais qui propose tout ce que l'on veut y entendre. Une voix un peu déjà entendue sous ses faux airs de country mais qui s'harmonise à la perfection (oui j'ai bien dit perfection) avec l'histoire qu'il raconte. Cette voix qui est un espèce de mélange savant entre celle de Piers Faccini et Ray la Montagne, nous invite à un voyage intime mais qui n'oublie pas d'être épique par moment. Ce léger trémolo proche de la larme d'un vieille homme me transperce de sincérité, et c'est, bien sûr, la seconde voix féminine de Lindsay Ouest, discrète et sensuelle, qui la met en valeur comme le faisaient subtilement Damien Rice et Lisa Hanningan auparavant.

Pourtant, fort de ses atouts, Matthew ne s'est pas arrêté à ça. Il a travaillé la structure mélodique des morceaux de ses deux EP: To The North et Kingdom of your own. Souvent construits à la manière de leurs amis (évidemment) Mumford and Sons, la musique s'impose crescendo, avec l'ajout au fur et à mesure des refrains de nouveaux instruments qui assiègent la composition d'une dimension épique. Ainsi le banjo, le tambourin l'accordéon ou la caisse clair font souvent leur apparition pour mystifier les passages clés de compositions qui finissent d'achever l'auditeur conquis que je suis. Les choeurs s'imposent également comme de vrais instruments parfaits pour mettre en valeur la finesse mélodique des morceaux, il en va de même pour les cuivres qui, si on ne les avait pas identifié seraient passés inaperçus tant ils semblent évidents sur chaque morceau.

Et c'est bien cette évidence qui me bouleverse. Matthew and the Atlas n'est pas un de ces merveilleux groupes que l'on réfléchit, dont on débat,... Il fait partie de ces brillants amateurs de musique qui cherchent à transpirer leur sentiments variés. Et dans cet élan magique de générosité, nous assistons spectateur heureux à cette évidence musicale, encore une fois, comblés et fiers d'aimer la musique.

Merci à 1nsomnies Musicales pour cette merveilleuse découverte

A écouter:
- I Will Remain: pour le claquement sourd de la rythmique à la mano, épique et vivant qui amène un refrain fédérateur
- In Winter: Pour cette somptueuse émotion mélancolique et lyrique murmurée à la manière d'un Damien Rice

Et puis une vidéo parce que quand elles sont de cet acabit, c'est un crime de passer à côté:

James Vincent Mcmorrow: Early in the morning (2010)

2011-11-15T06:53:00.001-08:00

C'est amusant de voir à quel point les gens qui parlent de l'excessivement talentueux James Vincent Mcmorrow le comparent, en guise d'introduction, à d'autres artistes, comme si celui-ci avait perdu son identité.
Par ci par là j'ai pu lire, Jeff Buckley, Sufjan Stevens, Charly Winston, mais c'est principalement Bon Iver qui ressort le premier.

Je suis évidemment surpris que la ressemblance avec L'épiquissime Ray La Montagne ne reviennent pas plus souvent tant leurs voix soufflées, fredonnantes mais jamais vacillantes se ressemblent.

Et parallèlement, bien que les pompeuses comparaisons offrent à cet irlandais un honneur et une reconnaissance méritée, c'est à mes yeux le symbole de cet excellent album bourré du talent Pop intimiste que seuls les folkeux britanniques marginaux savent produire: une superbe création folk épurée et maitrisée mais peut être un peu trop impersonnelle pour pallier à ces élogieuses chroniques qui achèvent involotairement la crise identitaire d'un artiste qui s'est longtemps cherché.

Parce qu'en effet James Vincent McMorrow n'est pas arrivé au folk des song writter naturellement. Batteur d'origine, il a fait ses gammes dans des groupes de Punk Rock à s'en égosiller la voix. Et c'est bien cette voix qui fera de cet album minimaliste orchestré par le son de la guitare, un vrai petit bijoux de folkeux.

Ce brillant song writter nocturne nous embrase d'une douce poésie musicale qui chatouille les timpants. "Nocturne" puisque le titre de l'album Early in the morning serait la conséquence de l'attraît qu'a l'artiste pour le travail nocturne et c'est donc au petit matin qu'il terminait ses séances d'enregistrements !

Cette album enregistré loin des studios sent bon la liberté. Les secondes voix permettent à l'artiste de montrer son superbe talent lorsqu'il s'invite dans les aigus. Des aigus chorales qui viennent du coeur et qui rappellent inévitablement le maître en la matière: Justin Vernon.
En fait James Vincent McMorrow a la bonne idée de nous rappeler une chose: le folk épuré, simplifié, déconnecté de cette tendance superflue à vouloir en rajouter encore et encore, est vraiment le plus beau des folk, surtout lorsqu'il va à l'essentiel.

Le problème c'est que cette identité qu'il se donne et qui transpire à travers ses compositions, ne se ressent pas suffisamment dans cet album. A l'image d'Angus et julia Stone, Early in the morning, sonne presque trop juste. Et c'est bien là toute la différence avec Bon iver.
La guitare a un son un peu impersonnel, les arrangements sussurés par les guitares, pianos ou autres banjos manquent un peu de personnalité.
Ainsi nous sommes loin du son du Banjo de Sufjan Stevens et loin également de la guitare ancestrale de Justin Vernon.

Mais James Vincent Mac Morrow, à l'instar de Ray La Montagne a une voix. Une immense voix qui va merveilleusement bien avec l'émotion qu'il fait passer, cette voix qui serait aussi belle à Cappela qu'avec un orchestre symphonique.
Et c'est pour cet échange magique entre ses créations et la façon dont il nous les récite que j'écoute encore et encore ce somptueux moment de musique que l'artiste pose délicatement au pied de notre lit alors que le soleil commence juste à se lever.

A écouter:
- Breaking Hearts: pour ce délicieux refrain où une deuxième voix vient enrober la mélodie vocale qui fait vibrer un petit piano excité. Et aussi pour ce mélange Pop/folk du morceau qui, cette fois, met en valeur cet enregistrement propre.
- We don't eat: Pour la finesse de la structure, pour la douceur de chaque instrument qui participe, pour l'émotion de la voix qui m'a séché lorsque je l'ai découverte la première fois

Serenades: Criminal Heaven (2011)

2011-11-07T06:18:00.000-08:00

J'ai découvert un peu par hasard Serenades et, bien que j'ai beaucoup de mal à trouver des informations sur ce groupe que je crois être Suédois, et que j'ai, qui plus est, la flemme de véritablement chercher dans les bas fonds du web pour obtenir une biographie ou un historique artistique, je mettrai donc virtuellement entre guillemets tout ce que je pourrais dire sur ce groupe qui, je trouve, mérite quand même d'être entendu.

Sensible à l’attrait visuel et à la créativité des musiciens pour les pochettes d'album, mon oeil a été attiré par cet univers étrange où des filtres douteux se superposent à travers des calques pas très pros, mais qui dégagent un ensemble coloré tout à fait adapté à un titre d'album comme Criminal Heaven. C'est donc motivé que je lance dans mes écouteurs la machine musicale. Et dès les premières secondes je comprends que ce fut une bonne idée...

All The world commence à capella et claque une deuxième voix à la vampire weekends qui tombe un peu de nulle part, pour finalement prendre toute sa valeur mélodique à l'arrivée de ces sons de guitares synthétiques brumeux (hyper tendances en 2011) qui, lorsqu'ils sont bien utilisés, nous envoient dans les oreilles une bonne grosse densité épique qui casse tout. Et les discrètes percussions sont d'ailleurs là pour le rappeler.

L'album est lancé et c'est d'une traite que je l'ai digéré comme on mangerait un Kinder maxi en deux bouchées.
Chaque morceau apporte une couleur musicale nouvelle qui rend l'album plutôt varié et plus si indé que ça d'ailleurs. Il y a les échos sur Océans qui ouvrent la voix à une pop mesurée assez agréable sur des suites d'accords très classiques, il y a aussi la voix féminine inattendue sur daydreaming qui casse lourdement avec la monotonie agréable d'une chanson plutôt douce où la voix du chanteur (dont je ne sais guère le nom) se fragilise à chaque note un peu plus aiguë.

Ce qui me marque le plus c'est que finalement l''album est assez conventionnel dans son style mais hormis le fait qu'il fonctionne très bien, il y a souvent une super idée qui se dissimule sur chaque morceau, comme sur weapons et ces "lalala" surprenants. Les rythmiques choisies sont également surprenantes, toujours en second plan, elle apporte pourtant tout la valeur à certains morceaux qu'ils soient calmes ou plus nerveux. En fait j'ai l'impression que chaque membre du groupe ne cherche pas à s'imposer mais plutôt à s'effacer pour laisser la lumière à son partenaire et c'est cette équilibre qui donne tout la saveur à ce Kinder!

Ajoutez-y des arrangements qui sans être merveilleux sont très utiles et on obtient un album complet et varié qui procure beaucoup de plaisir à l'écoute. Imaginez ce type de musique dans votre voiture sur une route ensoleillé et vous obtenez un délicieux verre de lait avec votre morceau de Nutella.

A écouter:
- All the words: Pour l'intensité d'un premier morceau d'album, et pour la surprenante seconde voix qui donne tout son sens à la guitare brute! et je ne parle pas des arrangements hyper malins
- Come Home: Pour cette ambiance retro pop dont les arrangements me font penser à Roxette avec une graine de Arcade Fire.

CLIP: We cut Corner: Pirate’s Life (2011)

2011-10-24T08:12:00.000-07:00

Aujourd'hui c'est le jour du changement, je tente une nouvelle approche visuelle de musique-indie et j'en profite pour vous partager un clip que je trouve absolument réussi (peut être même plus fort que la très bonne musique de We Cut Corners qui l'accompagne). Les dessins ont tous été réalisé à la main au marqueur sur papier, image par image.

N'hésitez pas à me dire si cette nouvelle Interface est sympa ou si un bon vieux blog classique c'est mieux!

My Brightest Diamond: All Things will unwind (2011)

2011-10-18T07:40:00.000-07:00

Le voila ! Aujourd'hui, le diamant brillant à la voix étincelante et cristalline sort son troisième album. Shara Worden aka My Brightest Diamond nous offre toute sa grâce dans All Things will unwind, plus gay, plus coloré et incroyablement riche.

L'album a été enregistré et composé avec l'orchestre de musique de chambre yMusic leadé par Rob Moose et CJ Camerieri qui a déjà fréquenté en tournée Bjork, Bon Iver, Antony & The Johnsons ou encore Rufus Wainwright... Et c'est justement cette collaboration qui donne tout la brillance à Shara Worden dans cet opus.

En effet les violons jouent les étoiles filantes dans cet album nocturne, illuminant le ciel de l'album de morceaux de bravoure absolument dantesques. Les mélodies "Bjorkesque" vallonnées, variées, nous déconcertent. La ligne mélodique des morceaux est d'une improbable densité au point de sentir souvent étourdie par ces pointes musicales qui parsèment chaque composition. Le reste de l'orchestre offre une couleur nouvelle à la peinture vocale de My brightest Diamond. Les cuivres, le hautbois, la flûte et d'autres instruments absolument insolites comme cette guitare (aux origines indiennes si je ne m'abuse) sur Escape routes, ouvrent de nouvelles portes mélodiques qui permettent à Shara worden d'user de son principal atout. Shara joue avec son vibrato et ses aiguës d'une implacable justesse, sa voix raisonne, parfois susurrées, parfois enjouées, elle déverse des perles de mots qui nous enveloppent d'une émotion maîtrisée.

Justement certaines mauvaises langues oseront dire que cet album est un peu trop maîtrisé, et même si l'émotion est bien là, il manque peut être de simplicité pour mettre véritablement en avant la voix unique de My Brightest Diamond. Mais ce n'est pas mon cas puisque je suis un inconditionnel de l'artiste et je ne m'aventurerai pas à y trouver des défauts... Pourtant j'ai tout de même était plus bouleversé par le splendide i have never love someone interprété pour la blogothèque que par la version originale de l'album, plus complète plus intellectualisée.

Mais au delà de toute médisance, Shara Worden nous propose un bijou fabuleux. Un album d'une incroyable créativité qui a travaillé chaque instrument note par note, du rythme à la tonalité en passant par le son produit. Ce que je retiens principalement c'est la joie qui se dégage du diamant, à l'image de sa pochette plus vive et plus tape à l'oeil, comme si My Brightest diamond avait assumé d'être une voix surnaturelle qui peut sans risque s'affranchir de la tristesse ou de la douceur pour passer une émotion.

My brightest Diamond n'a plus besoin de la nuit pour faire briller le diamant, il éclate de mille feux au grand jour désormais!

A écouter:
- We added it up: pour l'annonce qu'il fait en introduction de l'album. Pour cet échange entre la voix et l'orchestre d'une fine harmonie. Pour cette joie nouvelle.
- Escape route: pour sa phénoménale densité musicale et pour cette émotion plus accessible, riche et créative.

Enfin parce que ça vaut vraiment la peine de l'entendre: I Have Never Love Someone made in Blogo, comme j'aurais aimé l'entendre dans l'album:

Feist: Metals (2011)

2011-10-07T03:29:00.000-07:00

Je ne sais pas si les 4 ans d'attente ont été long pour finalement voir arriver le nouvel album de Feist, tant The Reminder avait des choses à raconter. Je ne sais toujours pas si j'ai vraiment fini de l'écouter et si j'ai envie de passer à autre chose. Et pourtant Metals est dans mes oreilles, et il sonne comme une évidence, il sonne bien.

Feist n'est définitivement pas comme tout le monde, cet imprévisible électron libre fait un gentil pied de nez, un brin taquin aux "nouveaux" fans de la belle qui avaient succombé au superbe 1234 dégluti par Apple et son iPod. Metals est définitivement moins pop, moins tubbesque, Feist a décidé de nous dire quelque chose.

Mais que cherche t-elle à nous dire? quelle surprenante émotion de ressentir un album pas forcément plus personnel, mais plus profond. Les choeurs brillants sont encore plus marqués au point d'entendre par moment des mélodies aux structures magnifiquement redondantes qui font sacrément penser à Joan And The Police woman. Sa voix a évolué, on la dirait plus assumée. Elle exprime un peu d'elle même là ou je trouvais une émotion plus neutre auparavant. Le mini vibrato est utilisé avec un fin doigté, et celui-ci est sublimé par des mélodies vocales généreuses. Le chemin musicale de la canadienne est vallonné est gagne beaucoup en densité.

Et pourtant j'ai le sentiment que l'album n'a pas trouvé son identité, il est plus calme moins coloré mais plus sincère. A l'image de sa pochette d'album, on dirait que Feist a décidé de se dissimuler derrière un travail musicale absolument remarquable (si si regardez bien la pochette), comme si les morceaux n'étaient plus à son service mais qu'elle était bien au service des morceaux. Des titres qui ont d'ailleurs gardé tout le savoir-faire de la belle, ces sons un peu bruts de décoffrage, avec des cordes qui orchestrent l'ensemble, un piano sublimement discret qui n'en fait jamais trop mais dont les notes ressemblent à des gouttes de pluie dans un film romantique.

Feist a cherché une ambiance, un ressenti et il semblerait qu'elle l'ai trouvé. Metals est une douce émotion, celle qui ne fait pas vraiment mal, mais qui nous rappelle que notre coeur vibre beaucoup lorsque que cette chanteuse merveilleuse décide de lui parler...

A écouter:
- Anti Pioneer: pour cette douce mélodie vocale qui prend tout son sens lorsque les choeurs la reprennent à la fin. un symbole de "l'émotion feist"
- Undiscovered First: pour cette somptueuse mélancolie crachée par le riff de guitare et nettoyée par la voix triste de Feist. Pour ce côté "goutte de pluie" du piano, et pour ce rythme lent, lourd, fracassé.
- Get it wrong get it Right: parce qu'elle représente le mieux mon ressenti de cet album chroniqué ci-dessus

Apparat: The devil's Walk (2011)

2011-10-03T03:29:00.000-07:00

On le classe dans la catégorie électronique, on le compare à Archive, on le rend impersonnel, et pourtant Sascha Ring, le DJ Berlinois qui se cache derrière Apparat vaut plus que ça. Sa musique electronica mélodique amplifiée par une voix qui a tendance à se balader dans la même galaxie que celle de Thom Yorke, est frissonnante. Et ce, parce qu'Apparat n'a pas facilement copié le travail au style Dub Step de ses prestigieuses relations (Ellen Alien entre autre), mais parce qu'il a laissé traîner un peu de son âme au spleen remarquable sur toutes les pistes de l'album, nous offrant ainsi des mélodies millimétrées et bercées par sa plainte vocale introvertie, timide, bouleversante.

Ce qui séduit au premier abord c'est sa ligne mélodique redondante qu'il nous propose, sans nous l'obliger, c'est cet univers mélancolique, embrumé, cette errance vagabonde dans le monde personnel et intime d'Apparat. Mais là où d'autre indépendantistes, dont la brume est aussi épaisse que leurs compositions, se seraient perdus dans ce brouillard mystérieux et silencieux, Sascha Ring nous guide avec une précision déconcertante. Ici pas de froufrous électronique pour impressionner les adeptes du Boom boom, les arrangements sont formidablement indissociables de la ligne mélodique, ils apportent une fantastique consistance à l'album. En effet chaque morceau est très dense et pourtant rien n'est confus, tout fourmille de petits détails merveilleux, de sonorités surprenantes, de sons invisibles qui rendent le spleen du chanteur extrêmement limpide.

Pourtant l'album est un peu redondant, l'émotion est la même du début jusqu’à la fin, il faut s'en imprégner d'une traite et accepter de ressentir un sentiment unique. Mais attention cela ne sous entend pas une espèce de platitude médiocre, l'album est magnifiquement modulé à l'image du travail de Sigur Ros (bien que je ne sois pas certain que les lives d'Apparat soient aussi bouleversants qu'un concert de Jonsi ou Thom yorke)

Apparat est un vide infini. Il faut se laisser tomber dans sa tristesse doucereuse avec un bonheur et une confiance évidente. le coeur est apaisé, l'écoute est totale, rien pour nous distraire et échapper à l'attention nécessaire pour savourer cet album d'une fantastique qualité. Le vide nous réserve un atterrissage tout en douceur.

A écouter:
- Ash Black Veil: Pour la justesse de la voix qui se frotte aux violons râpeux, pour les "larmes" d'un piano discret dissimulé derrière des arrangements minutieux.
- Your House is My World: Pour la tristesse de Sascha Ring qui gifle tous les gens comme moi qui avaient des préjugés sur les "DJs".

Clap Your Hands Say Yeah:Hysterical (2011)

2011-09-26T11:43:00.000-07:00

Qu'il fut long pour ne pas dire interminable d'attendre le nouveau clap your hands say yeah. Long au point de trouver ça inquiétant! Et si Alec Ounsworth avait été trop séduit par son départ en solo? Et si le groupe de 2006 qui avait fait trembler l'univers indie était mort à jamais, nous laissant avec la nostalgie d'une voix nasillarde brûlante et un synthé vintage qui avait redonné ses lettres de noblesse à la musique personnelle, ultime, que Wolf Parade avait initiée en 2005.Cette musique faussement inaccessible mais surtout incroyablement déroutante à la première écoute. Et bien autant le dire tout de suite Clap your hands say yeah est bel et bien de retour avec sa personnalité improbable et ses sonorités uniques, pour le plus grand plaisir des foufous du Rock mélodique très indé... mais moins qu'avant.

Hysterical porte plus ou moins bien son nom. En effet par rapport à l'ultime album de 2006, on cherche ardemment les morceaux tout à fait tubbesques qui suintaient auparavant. Ces morceaux brutaux où les riffs de guitare impeccables se tatouaient dans nos têtes avec une évidence déconcertante ont disparu sur Hysterical, mais ils ont laissé place à des morceaux plus épics, plus intenses où la voix de Alec semble plus assumée derrière ses effets bien denses qui dissimulent la sonorité cristalline du timbre.

Là où Hysterical va prendre son sens c'est sur le devant d'une scène avec des milliers de fidèles prêts à sauter sur les rythmiques nerveuses du batteur. Chaque morceau est un rêve de live fraternel et généreux offert comme un cadeau bonus d'attente après de si longues années.

Alors certes l'album est un peu plus pop, il semble moins torturé que les précédents, mais il apparaît comme étant bien complet. Les arrangements synthétiques font tourner la tête à nous rendre totalement drogué, la sonorité de garage de la guitare fait toujours son effet, et même si l'on peut évidemment regretter le culot du premier album avec ses lignes de basses lumineuses, avec cette improbable (et magistral) premier morceau Clap your hands et sa structure décomposée de malade, pas de regrets pour ce nouvel album. Je resterai juste un peu nostalgique de l'immense surprise que le groupe nous a offert avec leurs gros sabots de 2006.

A écouter:
Same Mistake: Pour ce départ violoneux et rapide qui prépare langoureusement l'intervention vocale qui trouve rapidement son rythme de croisière
Maniac: Pour l'efficacité mélodique qui s'annonce brûlante en live

Loney dear: Hall Music (2011)

2011-09-07T02:41:00.000-07:00

Loney Dear revient après son excellent album Dear John et sa surprenante tournée de 2009 au USA où un orchestre de chambre l'a accompagné durant ses spectacles, obligant ainsi Emil Svanängen à retravailler ses morceaux pour des performances plus orchestrales.
Cette expérience mémorable a stimulé chez lui l'envie de revenir à cette dimension créative plus onirique et participative. Cela dit le challenge risqué de dénaturer l'ambiance intimiste qui le caractérise était de taille, Loney dear à, une fois encore relevé le défi, Hall Music: bref, brut, organique, sort en Octobre.

Hall Music dure à peine plus de 30 minutes, les chansons sont plus courtes, plus minimalistes et pourtant le voyage est d'une superbe densité. L'album nous propose d'improbables combinaisons, de paradoxes déroutant qui me rappellent les compositions aux structures complexes des premiers albums de Bjork. Entre des riffs rapides et des mélodies doucereuses, entre l'harmonie parfaite des compositions orchestrales et synthétiques, le clavier analogique du suédois créer une atmosphère enivrante, apaisante que les cuivres et percussions transcendent de part une originalité surprenante. Un monde prend vie et le voyage se colorise petit à petit.

C'est ainsi que sur ce chemin sinueux, on trouve un fantastique solo de xylophone, une complainte au piano et des choeurs merveilleusement discrets qui accompagnent modestement la voix spirituelle du chanteur comme les cardinaux soutiennent l'arrivée du pape avant son discours devant les fidèles.

Alors certes l'album est moins lyrique mais j'ai le sentiment que l'émotion plus brute, plus viscérale épouse bien mieux les morceaux de l'album. Ainsi chaque instrument trouve son sens, est légitimé par l'autre instrument qui l'accompagne. Ce minuscule effet de résonance qui accompagne l'album accompagné d'instruments aux fortes connotations théologiques suggèrent l'apaisement divin qui s'impose délicatement dans nos oreilles au point d'en oublier d'écouter attentivement chaque morceau et de se laisser aller à une méditation auditive qui ressource.

Loney Dear nous propose une moment intime d'une superbe richesse musicale, mais aussi d'une absence totale de prétention. Un merveilleux moment de partage indépendant où la mélancolie et la joie dansent ensemble dans un ballet envoûtant qu'il faut savoir recevoir religieusement.

A écouter:
- Name Pour ce morceau d'introduction plein de promesse tenues, et pour cet univers mystico spirtuel qui annonce l'ambiance de l'album
- Calm down pour tout le talent de Loney Dear résumé en un solo de xylophone superbe

clip: Lana del Rey video Game

2011-09-02T11:57:00.000-07:00

La rentrée musicale est un champ de ruine, Lana del Rey est le feu ardent qui a embrasé la blogosphère ardemment, passionnément, avec l'aide des médias qui, nostalgiques d'Amy Winehouse, ont assouvit leur manque vintage en brûlant les lignes de CSS des sites influents avec cette allumette dorée et enivrante: Vidéo Game.

Mais, bien que j'aime de temps en temps poster les clips qui me parlent, celui-ci me choque plus qu'il ne me séduit. Parce que cette musique lancinante, aussi captivante que l'introduction du Mélancolia de lars von trier, cette harpe aussi angélique que celle de Florence and the Machine cette voix aussi pulpeuse que les lèvres de celle qui la susurre, tout cela me donne le sentiment d'être trop "faux" pour être "vrai". Cette mode du vintage années 60 hante déjà l'univers artistique depuis deux bonnes années déjà et cette jeune artiste qui se regarde plus qu'elle ne nous parle, cette magnifique chanteuse aux cheveux trop parfaits qui a réalisé son clip elle même à partir d'images d'archives, me semble être "trop" alors qu'elle ne devrait être "pas assez" à l'opposée des superbes Au revoir simone.

Alors évidemment cette musique qui s'invite dans notre âme avec douceur et poésie laisse présager un avenir merveilleux pour l'émotion auditive, mais avant de s'abandonner à Lana del Rey et de la proclamer reine, attendons de voir ce qu'elle va nous dire de plus. Et en attendant écoutons encore et encore Vidéo game et laissons notre coeur s'embraser de cette flamme brulante

Beirut: The rip Tide (2011)

2011-07-18T02:44:00.000-07:00

Dans l'espace infini de l'univers folk indie, il y a une multitude de petits voyageurs, les Luke Skywalkers dans leur petit vaisseau cherchant à se rapprocher des grands maîtres yoda de la musique, et apprenant d'eux (avec plus ou moins de talent) les secrets de la "force" artistique. Et puis il y a les croiseurs de l'empire, les Arcadia d'Albator qui gouvernent sans relache, au fur et à mesure de leurs créations, cet immense univers riche et mysterieux.

Beirut fait évidemment partie de ces empereurs intergalactiques indépendants, et ce depuis Gulag Orkestar en 2006 et son premier décollage réussi. Sa première et victorieuse épique bataille arrivera en 2007 avec The Flying Club Cup et le morceau (oh combien célèbre dans cette galaxie!) Nantes.
Après 4 ans d'aventures intercidérales, le vaisseau mère fait de nouveau parler sa grandeur avec un nouvel album The Rip Tide.
Préparez vous au voyage...

Beirut (qui a en 2009 inauguré le premier et succint article de ce blog modeste), c'est avant tout le pouvoir orchestrale du cuivre, des violons et de l'accordéon. Le pouvoir des choeurs vicéraux aux multiples secondes voix baignées dans des percussions lourdes, puissantes...lyriques. Mais c'est aussi la voix aussi charismatique que vacillante de Zach Condon chanteur guitariste et compositeur d'un groupe pas vraiment comme les autres.

A ma grande surpise, The Rip Tide ne boulverse en aucun cas ce schéma défini par le groupe. Il est commun chez les artistes d'entendre la crise du 3ème album qui bouleverse un peu les habitudes, histoire de ne pas s'embourber dans une routine musicale lassente ou juste un peu moins réussie que la précédente. Beirut ne s'embête pas vraiment avec cette problématique, il reste fidèle à son émotion artistique, Celle où l'on démocratise, auprès de ce public élitiste, le son populaire de l'ochestre de campagne, au grès de mélodies mélancoliques et formidablement bien construites.

En gros cet album c'est un peu la même chose que les précédents: même son, même instruments, même ambiance. Et pourtant bien malin est celui qui arrivera à lui reprocher ce choix tant la finesse des mélodies, la qualité des voix, et la justesse des mots s'imposent sur cette oeuvre. Zach apporte en plus une sensation plus intime comme si cette fois-ci il voulait se confesser lyriquement et sur la place publique.

Hormis Santa Fe (titre de chanson hommage à sa ville de naissance) plus pop, avec ce rythme en low fi, sympa mais pas dingo, l'album semble plus lent, plus langoureux. Zach nous offre une longue plainte pas vraiment triste mais pas vraiment heureuse non plus, mais d'une improbable générosité.

En fait The Rip Tide est un album plus simple (à l'image de la pochette de l'album) qui propose un côté mystérieux et lancinant d'une majestueuse beauté un peu comme si on essayait d'endormir un bébé avec une berceuse jouée par une fanfare de bal de village. Une situation troublante mais fatalement agréable au point de ne plus s'en passer et de baisser les armes devant un talent si évident. En 2011, le vaisseau amiral ne changera pas de capitaine...

A écouter:
- A Candle's fire: Pour célébrer les retrouvailles avec Beirut dans la pure lignée de leur talent. Du rythme des cuivres et des choeurs au son du yukulele
- The Peacock: Pour cette ambiance plus feutrée et intime sans pour autant dénaturer le style
- Goshen: pour la douceur du piano et ses voix qui s'imposent petit à petit

(Pour le moment le player ne veut pas lancer la chanson. Pour la faire marcher cliquer dans la barre de lecture pour que la musique se lance. Faites le pour chaque morceau)

Misteur Valaire: Golden Bombay (2011)

2011-07-12T00:56:00.000-07:00

Dans la culture québécoise je retrouve souvent cette subtile faculté des talents venant du pays de la poutine à s'émanciper des codes musicaux dans la création artistique. Mon admiration pour Le phénomène Patrick Watson le justifie. Dans un autre registre plus impersonnel mais tout à fait intriguant, Misteur Valaire, le gang de Sherbrooke reste fidèle à la liberté créative et s'impose avec un nouvel album Golden Bombay fraîchement arrivé dans les bacs français. Et autant le dire maintenant, c'est musicalement explosif.

Mais comment en sont-ils arrivés là? C'est vieux amis amateurs de jazz et formés dans ce domaine ont eu l'inspiration bienvenue d'ouvrir leur style jazzy (et les performances techniques que cela implique) à des genres Pop, électro, Hip-Hop pour former une ambiance Tri-Hop tels des Chinese man qui seraient sous l'effet de stimulants euphoriques et festifs à l'image des épiques Cat Empire mais avec l'electro en plus.

Golden Bombay a la mission de divertir, de motiver, de donner le coeur à l'ouvrage pour animer sans complexe des festivals qui peinent à démarrer. Misteur Valaire bien qu'imprégné d'un talent évident n'a, semble-t-il pas plus de prétention que ça.
La musique pour le fun, pour le rythme et pour le plaisir, à l'image de la mise en scène que l'on aperçoit lors de leur concert.

Et pourtant aucune facilité dans le choix de leur mélodies. Ici on ne s'arrête pas à la ritournelle facile "david guettesque" pour faire bouger au son du boum boum une vague de brebis lobotomisées par des basses imposantes et sans âmes.
Misteur valaire, joue du cuivre, avec une batterie qui n'est jamais très loin de prendre feu, et des riffs en Low-fi qui claquent sous les pieds. Ça passe en français, en anglais, les paroles sont vraiment efficaces et plus malignes qu'elles n'y paressent, les timbres s'harmonisent avec l'electro qui suinte de chaque morceau.

Golden Bombay s'offre le joli luxe mérité des featuring bien choisis de gens que je ne connais pas mais qui apportent bien plus que leur notoriété comme le prouve la douce voix suave sur November number 3. Les arrangements sont délicats, les instruments jouent divinement leur son, et les musiciens qui les tiennent sont à la hauteur de leurs outils: charismatiques et sympathiques, Misteur Valaire mérite sa place, et mérite cette fois-ci le sommet de l'affiche. Ils n'ont qu'a trouver de nouveaux chauffeurs de salle...

A écouter:
- Brandon Marlow: Pour cette influence Chinese man qui m'est chère et ce mélange des genres qui fonctionne hyper bien
- November Number 3: pour la voix féminine et la qualité des passages furtifs de cuivres.

Parce qu'ils sont vraiment sympas, rendez-vous sur leur site pour acheter l'album au prix que vous voulez

Bon Iver: Bon Iver (2011)

2011-07-04T02:40:00.000-07:00

Il m'a fallu du temps pour réussir à parler du nouvel album de Bon Iver, tant son attente a été longue, tant mon espoir musicale a été si fort. Après de longues écoutes, c'est avant tout surpris, ému, et soulagé que j'ai laissé m'envahir la douce émotion brute de l'artiste mélancolique.

Justin vernon a enregistré dans sa ville d'Eau Claire dans le Wisconsin ce nouvel album. On aurait pu craindre que la reconnaissance méritée de la communauté musicale indie pour son talent fasse germer l'idée saugrenue de laisser la main sur l'album au bon gros studio de Kanye West et ses producteurs aux gros dollars. Mais Justin Vernon n'est pas de cette trempe. Seule la musique compte, seule l'émotion prime avant la popularité qu'il laisse aux bling bling des chartes. c'est donc dans la plus simple des configurations qu'il va s'aventurer à nouveau dans son improbable monde: calme, flou, compacte et apaisé.

Perth en ouverture donne le ton: la guitare ronronne et la voix "choeurisée" de Justin est aux commandes. c'est Puissant, lyrique et transcendant. L'émotion fonctionne, la musique a pris le pouvoir sur le reste, l'humilité marquée d'un groupe au service se ressent toujours. Pourtant il me manque quelque chose!

Impossible de poser le mot, il y a tout ce dont j'ai besoin. La qualité est là, il y a de nouveaux instruments (synthé ,saxophone, pedal steel guitare,...) Minnesota commence, le voyage continu et pourtant la nostalgie m’envahis...l'album semble plus ambitieux, peut être trop, et pourtant c'est si bon...je suis leur voyage sans savoir où je me trouve: passif, dévoué, et ignorant.

C'est alors que j'ai compris en écoutant Michicant! Il semble queJustin Vernon n'a plus mal au cœur. For ever emma était emprunt d'une tristesse brutale, torturée alors que ce nouvel album est une balade tranquille, apaisante, et d'une infinie finesse. Me voila rassuré, Justin Vernon m'a pris par la main pour me proposer un nouveau voyage, toujours aussi juste à l'image de wash et ses bouleversantes notes de piano.

Cependant l'album est moins majestueux qu'on ne peut l’espérer. Les deuxièmes voix sont beaucoup moins marquées à mon grand regret, la mythique guitare de justin est moins sale, les arrangements sont un peu trop lisses par moment, le son années 90 du synthé ne m'a jamais fait d'effet, ça n'a toujours pas changé à l'écoute de Bon iver, et enfin la dernière chanson, à ma grande surprise, est digne d'un morceau de transition d'un des premiers albums de J-J Goldman avec une mélodie fade, un saxe désué, et un synthé suintant la ringardise.

Je ne pense pas avoir tout compris de ce doux voyage que nous propose Bon iver, mais ce dont je suis certain c'est qu'ils ont encore beaucoup de chose à nous montrer.

A écouter:
- Perth: pour cette envolée où les chœurs s'accordent avec une guitare doucement pensée.
- Michicant: pour cette douceur embrumée mélancolique, qui nous enveloppe de la magie de Bon iver

Vandaveer: Dig Down Deep (2011)

2011-06-23T08:31:00.000-07:00

Une question me vient à l'esprit, je connaissais le deuxième album de Vandaveer que j'appréciais sans pour autant tomber de ma chaise. Pourquoi alors suis-je par terre les yeux écarquillés à l'écoute de leur merveilleux nouvel opus Dig Down Deep?

Peut-être qu'avant, je ne jurais le folk brut que par The tallest man on earth, et que de nouvelles dimensions épiques dont l'étendard est fièrement porté par Edward Sharpe & the magnetic zeros sont apparus sur le champ de bataille et m'ont sensibilisé à une musique plus mélodieuse, plus majeure, plus collective.

Mark Charles Heidinger le songwrtitter américain de Vandaveer a la science de la mélodie vocale et l'expertise de la deuxième voix complémentaire et indissociable. Une seconde voix d'une infinie précision aussi indispensable que la première, chantée avec abnégation et expérience par la charismatique Rose Guerin.

Mais là où le groupe exulte c'est dans cette merveilleuse facilité avec laquelle ils savent générer une émotion spécifique et rare sur chaque morceau. La musique folk indie a ce pouvoir de proposer, dans un même album, des émotions immenses, intelligentes et subtilement variées. Ici rien n'est subtile tout est évident!

Les arrangements de fond sont intégrés avec finesse et originalité sur les morceaux, usant d'instruments insolites et originaux et apportant ce volume nécessaire aux compositions guitares sommes toutes relativement classiques de Vandaveer.

Aucun son n'a été laissé au hazard, on se surprend à ressentir une immense mélancolie sur The waking hour, pour passer à une ambiance anxiogène et électrique sur The Great Gray puis soudain tomber dans un lyrisme discret et rigoureux sur Spite (avec de sublimes interventions de Rose) et finalement se laisser emporter par un incroyable moment fédérateur bien folkeux sur The Nature of Our Kind (si à l'écoute de la chanson vous en doutez, regardez le concert à emporter de la Blogothèque).

Vandaveer est un groupe véritablement généreux qui offre avec talent un merveilleux moment de musique qui va accompagner mon été ensoleillé dans une bonheur non dissimulé et communicatif.

A écouter:
- The Nature of our Kind: pour ce bonheur explosif et rythmé que la mélodie dégage, sublimée par des percussions lourdingues.
- As a Matter of Fact: pour ce magnifique débit de paroles un peu saccadé et pour d'autres raisons évidentes.

Cake: Showroom of compassion (2011)

2011-06-16T06:22:00.000-07:00

Il m'a fallu du temps avant de déterminer un avis définitif sur le dernier album de Cake sortis cette année. En effet depuis l'Authentique Fashion Nugget en 1996 où chaque titre était unique et tout à fait Tubbesque, Cake n'a pas proposé de révolution musicale digne de leur incontestable talent.

Ainsi après 7 ans d'absence, et libéré de l’engagement avec Columbia depuis 2001, le groupe de Sacramento revient avec leur low-fi, trompettes, Moog et autres lignes de bass démesurément accrocheuses, pour le plus grand bonheur des nombreux fans nostalgiques mais peut être aussi dans l'indifférence cyniques des jeunes découvreurs.

Parce que Cake fait parti de ces groupes dont l'identité n'a pas vraiment évoluée au fil des albums, ne cherchant heureusement pas à s'adapter à un public (que je qualifie de manière fort subjective) de moins en moins mélomane, mais ne cherchant pas non plus à proposer une efficace nouveauté que le son si caractéristique de la guitare électrique viendrait transcender par moment.
Ainsi, même si les tubes suintent de l'album comme la sueur d'un vieux roublard finissant sont 15ème marathon, on a le sentiment de ne pas être surpris par l'album, l'émotion du passé, ce sourire nostalgique qui nous rappelle de bons moments mais qui ne nous éblouit pas outre-mesure.

Moustache Man va incontestablement ravir les anciens et les nouveaux seront surpris par un Fédéral funding bien popesque. J'ai personnellement pris mon pied sur les arrangements synthétiques de Easy to crash et ce refrain qui renifle avec savoir-faire l'odeur de la truffe qui "tube un max"

John McCrea et sa bande honorent leur passé avec des riffs de bass qui densifient magistralement leurs morceaux, les bonnes vieilles trompettes servent de signatures, et la guitare électrique remplit parfaitement l'échange imposé par la mélodie vocale du chanteur, qui ne cache toujours pas ses influences country fortement sympathiques.

Alors certes Cake ne réinvente plus, il se remémore perpétuellement ses années de gloire, parfois en radotant lourdement comme lors de leur avant dernier album, parfois avec finesse et justesse comme avec ce showroom of compassion qui est très loin de faire pitié!

A écouter:
- Mustache man: pour la nostalgie des anciens morceaux
- Easy to crash: pour le refrain bien accrocheur et pour ces arrangement qui sans être pompeux, envoient du lourd

Rachel Goodrich: Rachel Goodrich (2011)

2011-05-31T04:31:00.000-07:00

Rachel Goodrich, cette artiste américaine originaire de Miami est une petite gourmandise d'avant été. Une gourmandise allégée qui va accompagner le soleil et la chaleur estivale. A l'aide de chœurs pop comme il faut et d'instruments créatifs et joyeux (Kazou, Yukulélé, xylphone...) définissant un univers coloré, un peu enfantin mais surtout d'une incroyable créativité.

Lors de la sortie de son 1er disque en 2008, un style qui lui est propre est qui est la combinaison entre folk et rockabilly qu'elle a sobrement appelé "shake-a-Billy". Son 2ème album « Rachel Goodrich », sortie en février dernier est la composante de ces deux styles saupoudrés d'influences Pop de qualité.

Et dans les influences pop j'entends: Lily Allen pour la joyeuseté de la voix et des secondes voix qui l'accompagnent, Hey Ocean pour les compositions mélodiques, Little Birdy pour la structure instrumentale de premier plan. Le reste ça lui est propre, ça lui appartient. Une dimension indie folk dans l'acoustique mais qui se caractérise par une joyeuseté hippiesque en accords majeur, clap de main, tambourin et sifflement comme le revendiquerait Edward Sharpes.

Ce qui est d'autant plus fascinant derrière cette fausse simplicité c'est que les morceaux sont d'une infinie richesse, que ce soit trois notes de synthé en fond sur une transition, une minuscule deuxième voix, un infîme solo de castagnettes ou des structures surprenantes la bougresse n'a rien laissé au hasard et c'est un bonheur d'entendre un nouveau son à chaque nouvelle écoute.

Cela dit Rachel Goodrich ne fait pas dans le conceptuel ou l'innovant, c'est du "folk billy" gentil, mais parfois un peu culotté, comme le ferait une artiste libre qui n'a pas peur de grand chose! Et ma meilleure preuve pour justifier cet argument c'est ce clip totalement improbable filmé dans un coin chaud de Floride, où des "Gangstas" assumés reprennent en playback une des meilleures compositions de l'album.

De l'audace, de l'humour, de la légèreté, de la simplicité et surtout un sacré paquet de créativité. Que demander de plus...

A écouter:
- Light Bulb: pour ces merveilleux petits chœurs qui portent la chanson et ces instruments d'une magnifique fraicheur

- Morning Light: Pour ce petit riff de guitare redondant et ce rythme entrainé par ces chœurs (encore et toujours)qui balancent pas mal!

Chose promis le clip tout à fait original de Light Bulb

Jae: Balls and Kittens, Draught and strangling Rain (2011)

2011-05-16T06:46:00.000-07:00

Depuis longtemps il m'a fallu attendre ce timbre féminin nouveau, d'une improbable fraicheur, un timbre violoneux, tremblant, émouvant. Jae (Jessica Sligter) et sa fragilité caresse la porte de la musique pop folk alternative, sans frapper, sans se faire remarquer et par chance j'étais sur le palier.

Son troisième album Balls and Kittens, Draught and strangling Rain n'est pas le premier coup d'essai de cette Néerlandaise basée à Oslo. La sensibilité poignante des compositions accompagnée d'une douceur vocale au timbre lyrique m'a laissé sans voix.
Les instruments sont discrets comme l'ensemble de l'album. On a l'impression que cette œuvre n'arrive pas à s'afficher face à une quelconque popularité, comme si les flashs des photographes allaient briser le fil fragile qui berce l'ensemble des compositions.

Parce qu'en effet tout l'album s'écoule sur un fil continu. Pas de la même manière que Camille et sa note infinie, mais comme si l'album ne formait qu'un seul morceau. la tonalité est à peu prêt la même sur chaque composition, le rythme n'évolue qu'au fil des émotions si bien qu'il est difficile de définir quel morceau vaut mieux que l'autre.

Jae nous emmène dans un univers sombre et merveilleux à la fois où les arrangements naturels sont féériques et toujours au service de cette voix si saisissante.
Les influences scandinaves sont marquées et remarquables sur cet album Balls and Kittens, Draught and strangling Rain. La touche troublante de Björk est aisément reconnaissable bien que les compositions s'orientent bien plus vers le minimalisme que celles de cette dernière avec des arrangements inspirés de chez Cocorosie. Jae ne fait pas dans le sophistiqué, ni dans le conceptuel, les compositions sont au service de la voix qui elle même est au service d'une émotion si chère à la communauté folk acoustique.

Ses musiciens ne sont d'ailleurs pas en reste : Jan Martin Smordal (le guitariste), Daniel Meyer Gronvold (ukelele), Kyrre Laastad (le percussioniste), Ole Henrick Moe (violon), Juhani Silvolva (bass) et le pianiste Andreas Lowe, bien que discrets sont absolument nécessaires à la magnificence de l'album dans son entier.

Une œuvre unique et bouleversante à écouter impérativement

A écouter:
- Red around the Eyes pour l'émotion vocale transcendée par cette mélodie impeccable et ces secondes voix imparables
- Song came from M pour cette superbe mélodie lancinante de deuxième partie, où les arrangements mélodiques sont d'une subtile finesse

EP: Diver (2011)

2011-05-10T01:01:00.000-07:00

A l'image du nom de leur groupe, "Diver" lève le doigt timidement et dans l’anonymat général pour intervenir dans la spirale inlassable de la musique folk indie avec une écrasante humilité, comme s'ils savaient déjà que leur musique n'allait pas révolutionner le style, comme s'ils ne voulaient pas s'imposer une prétention mégalomaniaque à vouloir se définir unique. Cet EP que l'on trouvera surement dans la rubrique du même nom dans des grandes enseignes marchandes a pourtant des arguments émotionnels largement plus convaincants que ses concurrents directs.

Diver ce petit groupe composé de trois grands monsieurs: Wolfgang Bruckner, Olaf Schuberth, Stephan Ebert propose 6 titres dans la plus grande lignée de l'acoustique mélancolique, où les instruments sont judicieusement choisis, où les secondes voix font un travail phénoménal, pour servir des petits messages pleins de nostalgie, et de réflexion amoureuse.

Leur musique est simple sans pour autant être simpliste, elle est honnête sans pour autant être naïve. L'essence de leur musique passe par une étonnante dualité entre l'harmonie de forme qui aborde un sujet léger conforté par des mélodies plutôt majeures et l'insécurité et la désorientation de fond que sous-entend le messages qu'ils souhaitent faire passer: la peur de perdre ce que l'on possède, le sentiment de perdition amoureuse... Leurs chansons tourbillonnent entre légèreté et profondeur, le tout guidé par des mélodies redoutables qui prennent tout leur sens par le choix des secondes voix et des instruments classiques.

Divers nous offre avec cet EP un véritable moment de musique qu'il faut impérativement découvrir dans son ensemble, un pur moment d'émotion légère qui glisse dans le cœur de manière limpide et évidente.

A écouter: No release pour sa douce émotion significative de l'album et son final a plusieurs voix d'une superbe richesse émotionnelle.

Merci au Label Ink Music pour ce beau cadeau

Clip: Woodkid-Iron(2011)

2011-05-02T05:43:00.000-07:00

En attendant une prochaine critique et histoire d'alimenter une rubrique que je n'alimente pas. Voici dans la catégorie clip originaux sur musique originale de Woodkid, un superbe travail graphique que ne renierait pas un créatif publicitaire. Sur une mélodie puissante, des images soignées un fin absolument lyrique, du grand Art.

Alexander Ebert; Alexander (2011)

2011-04-20T01:05:00.000-07:00

Alexandert Ebert, le leader de l'immense groupe folk Hippie Edward sharpe and the magnetic Zero est arrivé discrètement sur les chemins sinueux indé avec son projet solo sobrement appelé Alexander. Une agréable surprise qui ne révolutionne pas grand chose mais qui procure toujours autant de plaisir.

C'est durant la tournée 2010 avec son groupe qu'Alexander commence la production de son projet solo. Ce multi-instrumentiste compose toutes les lignes instrumentales des 10 morceaux de l'album avec une étonnante maîtrise. Les basses, les cuivres, les chœurs sont extrêmement justes, et bien pensés. Là où le risque de l'auto-complaisance pouvait se profiler à l'horizon, Alexander Ebert a réussi à garder sa simplicité mélodique pour générer cette sensation musicale positive qu'il arrive à proposer avec son groupe de joyeux peace & love.

Alexander n'a pas cherché à surprendre personne, à l'image d'un Thom York avec son merveilleux Eraser electro indé psyché minimaliste. Ici le folk country spirituel à gardé son trône. Un univers de prédilection tellement évident qu'on pourrait presque croire à un EP post deuxième album (qui devrait sortir cette fin d'année d'ailleurs), si Alexander n'avait pas été moins enjoué, moins brulant (pas de siffement "Homesques", pas de rythmes lourds à la 40 Day Dream). Un discret harmonica à des moments, des mélodies vocales un peu plus personnelles mais un peu moins accrocheuses.

Mais ne chipotons pas pour rien, cet album est un merveilleux moment de musique folk, ce timbre un peu rappé d'Alexander est toujours aussi agréable à entendre, les chœurs font superbement leur boulot, le tout nous donne un album sans surprise mais qui fait beaucoup de bien à l'écoute.

Vivement la fin d'année!

A écouter:
Truth: pour la superbe ambiance qui se dégage du morceau
A million years: pour le débit de parole des couplets saccadé et rythmé

Idiot Wind: EP (2010)

2011-04-07T05:22:00.000-07:00

Qu'il semble difficile d'approcher l'univers si mystérieux d'Amanda Bergman la merveilleuse chanteuse folk suédoise au timbre soufflé qui se cache derrière Idiot Wind, tant peu de monde en parle. Ce petit drame promotionnel dans l'univers folk indie est toutefois compréhensible puisque cette EP est presque impossible à trouver. Les petits veinards qui connaissent Idiot Wind l'ont soit découverte, comme moi sur des blogs de qualité comme celui de Muffin Man qui m'a fort sympathiquement donné son EP, ou soit en première partie du merveilleux Tallest man on earth. J'imagine déjà qu'un concert composé de deux monstres du folk épuré comme eux doit être un sacré bouleversement.

Idiot Wind dont le pseudonyme est tiré d'une chanson de Bob Dylan compose en effet à la manière de son collègue suédois (petit ami?) une voix, un instrument, une composition, une émotion. Le reste on le laisse aux mondialistes...!
En lieu et place de la guitare, Idiot Wind se délectera des notes sourdines de son piano, son timbre vocal voilé dans un merveilleux brouillard émotionnel fera tout le boulot.

Parce que les compositions au piano sentent le "fait maison", parce que les compositions n'ont pas la prétention de révolutionner l'identité indie à laquelle elle appartient, Amanda Bergman s'est émancipé de toutes contraintes musicale et commerciale pour proposer avec une évidente humilité des petits morceaux bourrés d'une émotion simple, un peu froissée mais somptueusement authentique à l'image de ces deux dernières compositions Uranium et Form a Liar.

Il n'y a pas grand chose de plus à raconter. 5 chansons piano voix qui invitent à un doux voyage comme sait le faire chris Garneau ou un certain compositeur acoustique suédois.

A écouter: Form a Liar

Alexa Woodward: It's a Good Life Honey If You Don't Grow Weary (2011)

2011-03-23T07:22:00.000-07:00

Alexa woodward et son banjo sont de retour avec un folk candide, fin et sans artifice pour le bonheur des amateurs de multi-voix, du son si sec du banjo, et de l'émotion apaisante qui ne fait pas dans la fioriture.

J'avais déjà eu l'occasion de parler de son premier album Speck sortie en 2009. Il m'avait à l'époque laissé un merveilleux souvenir et je me surprends encore à y revenir de temps avec un plaisir non dissimulé.

C'est donc une nouvelle fois par le biais de la page Facebook de With music in my mind, que j'ai pu découvrir en téléchargement gratuit la dernière cuvée de cette douce chanteuse à la voix de folkeuse ordinaire d'une justesse infinie.

La bonne nouvelle, rien de ce que j'aimais a changé depuis Speck. On retrouve ce folk mélodique assez facile mais implacablement efficace, toujours un peu pareil, structuré de la même manière autour de jolis accords et de somptueuses doubles mélodies vocales.

Ce qui change un peu c'est l'apport bien plus marqué de nouveaux instruments: violoncelle, percussion, guitare,.. tous ces instruments donnent une surplus de consistance à l'album sans pour autant dénaturer l'émotion épurée et naïve qu'Alexa woodward cherche à créer. Cela permet surtout d'enjoliver les déjà très belles secondes et troisièmes voix qui l'accompagnent tout au long du voyage.

Le voyage est d'ailleurs emprunt d'une profonde douceur, des mélodies sécurisantes qui ne nous surprennent jamais vraiment mais qui font du bien à l'émotion. Parce que cette album It's a Good Life Honey If You Don't Grow Weary n'a pas plus de prétention que de nous proposer du folk indie à l'américaine. Ce folk qui nous fait voyager le temps de quelques minutes, celui qui accompagnent les amoureux de la musique qui aiment mettre des notes sur leurs émotions apaisées.

Profitez en pour découvrir gratuitement l'album en cliquant sur ce lien

la seule contrepartie que demande la chanteuse c'est de partager sa musique. c'est pas génial ça?!

A écouter:
- Wolves: Pour le merveilleux canon de fin qui sublime le son cristallin de la voix d'Alexa à la manière de Carina Round
- All this Sugar: pour cette ambiance berceuse, et pour ces superbes et discrets chœurs masculin

The Tallest Man On Earth: The Wild Hunt (2010)

2011-03-15T11:51:00.000-07:00

Ecouter de la musique c'est bien mais passer à côté du deuxième album de ma merveilleuse claque folk à l'américaine de 2009: The Tallest man on earth ça se rapproche plus de la faute que de l'oublie. C'est donc la tête baissée que je ne présente que maintenant son deuxième album: The wild hunt et autant dire tout de suite que la gifle qu'il m'a donné est de l'ampleur de ma punition méritée.

Dans le monde grouillant du folk acoustique où les mélancoliques minimalistes se tordent les doigts à essayer de déméler les cordes de leurs guitares, le petit homme venu de suède est passé tranquillement en dessous de la pile de morceaux aussi bons qu'inutiles pour venir imposer son empreinte dans l'univers indépendant avec une puissance qu'on lui reconnait.

Sa voix brute, dylanesque, nasillarde, reviens chatouiller notre ouïe pleine d'intelligence et pleine d'audace. Parce qu'il en faut de l'audace pour oser, avec une voix si douceument rageuse, ne laisser la réplique qu'à sa seule guitare (et de minuscules notes de Yukulele par moments). C'est dans ce travail épuré que se découvre réellement l'intelligence mélodique des folkeux. Tout doit se passer dans l'écriture de la ligne mélodique instrumentale et de celle de la voix pour être capable de générer une émotion, qu'elle soit légère, profonde, qu'elle soit dissimulée derrière une rythmique entraînante, ou transcendée par des paroles bouleversantes.
The tallest man on earth est peut être capable de réunir tout les ingrédients dans la même marmite.

Parce que oui, en plus de proposer des arpèges endiablés sur le son souillé de sa guitare fragile, ou de bon battements saturés par un mixage volontairement brutal, les mélodies vocales du petit homme font mouche à chaque fois. La cohérence de son univers si personnel est présente sur tout l'album et pourtant aucun morceau ne se ressemble vraiment, aucun n'est à jeter.

The Wild Hunt est une espèce de diamant brut, un diamant pas taillé et pourtant déjà parfait, un diamant que l'on voudrait offrir à son amour, parce qu'il est (trop) discret, parce qu'il fait beau sur le doigt, parce qu'il est petit tout simplement.

A écouter:

- The wild hunt: pour la finesse de la sensation que l'on ressent quand on l'écoute entre légereté et mélancolie
- you're going back: Pour l'émotion vocale que la voix génère, pleine de puissance et de sincérité

Joan as police woman: The Deep Field (2011)

2011-03-09T08:36:00.000-08:00

Mademoiselle Wasser alias Joan as police woman n'est plus à présenter. Au delà d'avoir eu le talent d'être la "grâce" de Jeff Buckley c'est bien en tant qu'artiste qu'elle mérite sa reconnaissance. Après deux somptueux albums et deux longues années d'attente, le talent personnel et unique de cette immense compositrice vient chatouiller nos sens. The Deep Field nous salut avec ses cuivres léchés, ce rythme jazzy soul chiadé, ces discrètes et nécessaires secondes voix, ces merveilleux arrangements rock sincères et tellement pas tape à l'œil... Joan as police woman est belle bien de retour.

The Deep Field est un album marqué par le douloureux décès de la mère de Joan, il fait référence à une photo envoyée par le satellite Hubble. Pourtant et étrangement la douleur de l'album est dissimulée derrière une apparente décontraction (symbolisée par des rythmiques plus marquées). Une ambiance relativement nouvelle en comparaison avec ces précédentes productions.

Enfin, les morceaux semblent bien plus assumés par la chanteuse sur cet opus, comme si celle-ci se détachait enfin des nombreuses étiquettes qui lui collent à la peau et qui semblaient lui peser auparavant. Le regretté Jeff Buckley évidemment, mais aussi son étroite (et magique) collaboration avec Antony and the Johnsons.

L'ambiance soul rock propre à Joan est imprimée sur chaque morceau avec une évidente cohérence. Les mélodies mettent bien mieux en avant la finesse de sa recherche vocales. Les chœurs gospels américains sont superbes (sans que cela fasse chorale pour autant), les deuxièmes voix s'imposent en véritables échos aux vocalises de la chanteuse. Un échange bienvenu, enjolivé par des lignes de basses somptueuses et un synthé un peu vintage assez atypiques.

Joan as police woman sait également structurer ses morceaux pour les rendre sensoriels. Elle génère une redondance (souvent vers la fin des compositions) qui s'imprime avec une déconcertante facilité dans nos têtes, et pourtant elles restent totalement imprévisibles. rien ne se devine avec Joan, tout se découvre! Sur cet album, tout est fait avec un peu plus de simplicité, ce qui permettra aux néophytes de la demoiselle de se délecter de cet album tout en laissant aux impressionnés de la première heure l'immense joie de retrouver leur artiste: les bras ouverts, libérée, abandonnée à sa musique.

A écouter:
- The magic pour les superbes arrangements musicaux, la qualité des sons choisis et la structure vocale avec ses deuxièmes et troisièmes voix qui s'imposent de manière hyper intense.

- Run for Love: pour ce superbe échange vocale orchestré de main de maître par le synthé et la basse.

Noah and the Whale: Last Night on Eartrh (2011)

2011-03-08T03:08:00.000-08:00

Moins Brut, plus impersonnel et plus fédérateur, Noah And The whale ma révélation de 2009 revient avec ce troisième album studio...en un mot vivant.

Moins de violons et de guitares sales, beaucoup plus de chœurs, plus de rythmes et une petite touche de nouveauté avec ces sensibles et minuscules arrangements électros. Pas forcément nécessaires, ils apparaissent tout de même bienvenus (bien qu'un peu trop victimes de cette tendance nouvelle à placer dans la pop folk indie des notes électroniques parfois superflues).

Ce qui ne change pas, et qui fait tellement de bien, c'est cette légèreté vocale du chanteur Charlie Fink dont la voix semble malheureusement moins proche de la fausseté qu'auparavant. Cette fois-ci la voix est pleine d'assurance et sacrément soutenue par les arrangements de fond.
Quelle joie de retrouver également une voix féminine qui m'avait tant manquée dans leur second opus. Je ne sais pas trop quoi penser des mélodies vocales un peu trop tournées vers l'hymne chantable par tout le monde. Autant j'aime la dimension conviviale, enjouée et communautaire que le groupe génère autant sur ces morceaux cela néglige un peu l'émotion dont la timide beauté suintait de leurs anciennes compositions.

Cela dit Noah And the whale envoi du riff dans les oreilles et autant dire qu'il nous donne la bonne humeur, à la manière d'un Vampire Weekend (influence marquée sur cet album) chaque morceau nous donne le sentiment que la vie est ensoleillée, que tout le monde doit bouger son corps, que l'été arrive et que cette musique va nous accompagner avec les beaux jours.

Noah and the whale rejoins les leaders du pop folk fédérateurs ou la batterie donne le ton, ou la basse donne l'ambiance le violon la magie, et les chœurs la joie. Comme les autres sur chaque morceau on ressent implicitement l'unité d'un groupe qui aime jouer ensemble et qui aime jouer pour l'autre.

Last Night on earth est un album plus simple, plus complet mais moins touchant que les précédents. Par contre il porte bien son nom, emprunt d'un optimisme qui arrive comme une bouffée d'oxygène, il représente facilement l'émotion qu'on aimerait avoir pour une dernière nuit sur terre. Le bonheurs communicatif fédérateur en accords majeurs.

A écouter:
- Give it all black pour ce super son de xylophone et cette belle ambiance rythmée
- L.I.F.E.G.O.E.S.O.N pour cette ambiance fédératrice symbolique de l'album

Mumford & sons: Sigh No More (2009)

2011-02-22T08:24:00.000-08:00

Au triple galop, dans les vastes prairies de la musique, la course effrénée de ces Quarter Horse de l'émotion brute m'a piétiné en toute sensibilité. Mumford & Sons, sauvage, honnête, brute a laissé les empreintes de leur sabots dans ma discographie indétrônable.

Ce groupe folk Londonien plutôt récent puisqu'il a été formé en 2007 et dont les influences respirent les grands espaces américains ont sorti leur premier album Sigh No More en 2009, et c'est seulement maintenant que je découvre celui-ci dans son intégralité.

Mumford & sons, une bonne caisse, un furieux banjo, une puissante guitare folk, une douce mandoline, 3 chœurs somptueux et une voix qui raille à la "The Tallest man on earth" pleine de sincérité et de poussière folk. Ajouté à cela, quelques cuivres, piano, ou accordéon en fonction de l'humeur, et vous obtenez un groupe qui nous offre l'opportunité de galoper au grès de la musique, caressant l'étendu sauvage de leur liberté créative.

Parfois simple, parfois saugrenu, Marcus Mumford le chanteur principal nous ballade au grès de ses envies. Il n'y a rien de révolutionnaire dans les compositions, c'est du folk brut structuré autour de rythmes acoustiques bien pensés, mais c'est ce folk qui n'est pas plagié, qui n'a pas d'influences majeures, On savoure simplement l'envie de partager une émotion, de faire passer un message. Mumford & sons aiment profondément la musique, ils aiment jouer ensemble et c'est avec une grande générosité qu'ils nous offrent la possibilité de galoper, libre, fier et heureux dans leur sauvage et immense jardin...

A écouter: Sigh No More pour cette brutale montée musicale viscérale et jouissive

Josh T. Pearson: Last of the country Gentlemen (2011)

2011-02-11T02:18:00.000-08:00

"Vendre des disques a été probablement la pire chose qui nous est arrivée. Au Texas, où personne n'écoutait notre musique, elle était une forme d'art pour moi. Il n'y avait pas d'attente, on pouvait faire tout ce qu'on voulait. Quand elle est devenu un produit, que l'idée d'argent est entrée en jeu et que le gagne-pain de mes partenaires s'est mis à reposer sur mes épaules, quelque chose a changé dans ma tête."

Je devais commencer cette chronique par cette douloureuse citation parce qu'elle justifie à mes yeux l'improbable émotion mélancolique épurée qui dégouline des chansons de ce pur artiste torturé qu'est Josh T. Pearson. Et peut être que, pour en saisir le sens, il faut s'imprégner du personnage alors une petite biographie musicale s'impose:

Né au Texas, Josh T. Pearson a formé l’éphémère groupe phénomène Lift to Experience, qui a publié en 2001 le chef d’œuvre tentaculaire «The Texas-Jerusalem Crossroads», avant de se séparer.

Josh T. Pearson parle des années qui ont suivi cette dissolution comme d'une période "d'introspection… La musique est vraiment précieuse. C'est la chose la plus précieuse pour moi, presque trop pour la partager. J'avais besoin d'explorer le monde, de découvrir des choses. Je devais grandir et devenir un homme. Et je ne voulais pas le faire en public."

Josh T. Pearson dit qu'il n'aurait pas enregistré les chansons de son premier album solo s'il n'avait pas vu les réactions qu'elles provoquaient lorsqu'il les a jouées en tournée avec Dirty Three en Irlande en décembre 2009.

"J'ai composé ces chansons au moment où ce qu'elles racontent se produisait, en chantant de mon propre point de vue, dit-il, et je les ai jouées pendant la tournée avec Dirty Three en me disant que ce serait bon pour moi, que ce serait thérapeutique, cathartique. Je n'aurais pas pensé à les enregistrer"

Ces nouveaux morceaux très autobiographiques, s'expriment avec une honnêteté, une sincérité et un désespoir éprouvant. La voix et la guitare de Josh accompagnées par un violon aussi triste que plaintif assomme littéralement l'auditeur dans un océan de mélancolie. Quatre des sept chansons dépassent les dix minutes, parce qu'elles examinent l'enchevêtrement existentiel douloureux de l'amour et de la perte avec une profondeur et une clarté émotionnelle impossibles à contenir dans un format pop.

Josh T.Pearson est l'exemple même du compositeur indépendant dont la musique ne s'analyse pas, elle se vit au font du cœur comme une expérience de la tristesse, tout est trop simple pour être écouter de manière constructive. l'océan musical qu'il nous propose est une véritable offrande et c'est cette émotion brute éprouvante et douloureuse qu'il faut écouter avec une vraie humilité.

Ce premier disque, Pearson ne l'a pas réécouté depuis qu'il l'a achevé. Ses blessures sont encore trop récentes. Il nous les montre à la manière d'un journal intime et nous les accueillons avec respect.

Last of the country Gentlemen est une véritable expérience

A écouter:
- Thou art loosed (Intro): pour l'annonce que ce morceau fait de l'album
- Women when i'v raised Hell: pour le violon qui pleure autant que la voix

The Naked and Famous: passive me Aggressive you (2011)

2011-02-08T06:03:00.000-08:00

Pour tous les amateurs de l'électro Pop acidulée et envoutante, The Naked & Famous sera sans conteste le groupe à écouter en ce début d'année 2011. Reconnu via leur single Young Blood, ce groupe néozélandais vient marcher avec le sourire sur le territoire populaire de MGMT. Déjà reconnus dans leur pays leur album Passive Me aggressive you est une véritable pépite d'hymnes qui font bouger la tête, avec l'envie de fermer les yeux.

Comme tout pop aux teintes électro, (univers où Phoenix règne en maître à mes yeux), le schéma musical qui s'en dégage est assez classique, des mélodies vocales qui accrochent, une voix qui ne force jamais mais que les arrangements ou chœurs viennent transcender, un bon gros rythme électro souvent assez lourd mais toujours subtilement pensé. parfois il n'est pas nécessaire de faire dans l'original quand le classique s'assemble parfaitement avec la mélodie.

Et les mélodies justement chez Naked and famous sont absolument inouïes. Les riffs qui définissent les morceaux ne sont souvent qu'une simple succession de trois ou quatre notes (souvent des suites d'accords classiques) mais qui s'harmonisent à la perfection pour générer chez l'auditeur ce sentiment d'évasion recherché.

Avec ce genre de musique, on bouge mais on ne danse pas, c'est énergique mais ça ne passe pas (encore) en boite de nuit. Ici c'est l'harmonie musicale d'un instant vivant! on secoue le corps les yeux fermés, on s'évade dans le monde de ce groupe, on se laisse totalement immerger, et soudain la musique sonne comme une évidence.

The Naked and Famous sera le groupe pop électro de 2011, j'en suis presque certain.

A écouter:
- Punching in a dream pour cette basse électronique sale,lourde et surpuissante, et pour cette grosse sensation de retrouver la réussite d'un bon morceau de MGMT

-Young Blood: pour ce riff "style clavecin" que je qualifie sans modération de magistral, quand il s'harmonise avec la batterie et la mélodie vocale de haut vol.

(pensez à appuyer sur suivant pour écouter le deuxième morceau)
tilidom file storage

Modest mouse: Good News for People Who Love Bad News (2004)

2011-01-20T08:34:00.001-08:00

Je ne sais pas vraiment comment appeler cet article: Retro, grand classique, incontournable, les albums de la décennie dernière, souvenez-vous,.... Car en effet, beaucoup des assidus du rock indépendant américain qui tomberont sur ce post se demanderont ce que vient faire ici une chronique sur un groupe vieux comme le monde (1993) et sur cet album ultime (de 2004) dont il n'y a plus rien a dire tellement tout a été dit. Et bien tout simplement parce qu'en 2004 j'étais bien trop occupé à apprivoiser mes grands classiques de la musique indie cosmic (Radiohead, Sigur ros, Bjork,...)pour pourvoir découvrir ce genre de groupe un peu brutal,mélodique, aux sonorités de macadam de parking. c'est donc tout récemment que je suis tombé sur ce groupe et leur tube Float On qui m'a gentiment giflé pour ne pas l'avoir découvert plus tôt. Et c'est donc en pensant à tous ces gens qui méritent d'être giflé comme moi pour ne pas avoir découvert avant ce groupe essentiel à toute discographie Indie que je chronique avec 7 ans de retard cet album.

L'album Good News for People Who Love Bad News, nominé aux Grammy Awards à l'époque est une pastiche de ce qui aujourd'hui fonctionne comme une évidence dans l'univers Rock indé. Wolf Parade, Vampire Week end, Noah and the whales semblent partir dans les même sonorités que celles proposés par Isaac Brock le chanteur et guitariste de Modest Mouse. En gros tout se structure autour d'une mélodie vocale bien trouvée chantée derrière une fausse maladresse et repris souvent par des chœurs masculins de toute beauté, et d'un riff de guitare qui lui répond avec une magnifique maestria. Les arrangements de fond toujours originaux, les instruments parfois électroniques, souvent atypiques densifient les morceaux pour apporter cette couleur musicale qui leur est propre.

Modest Mouse est un groupe qui n'a peur de rien, qui bave des paroles absurdes, qui les cris parfois, qui s'amuse avec la musique comme un chat joue avec une souris.Il faut se laisser porter par l'album dont les morceaux se démarquent, proposent quelque chose de toujours différent avec beaucoup de finesse. Certaines chansons plus calmes bercées par un violon épuré nous rappellent la douceur des mélodies de Noah and The whale, les chants scandés fièrement avec une forme de maladresse nous rappelle la liberté créative de Wolf Parade, pour le reste c'est "juste" du Rock indépendant électrique, rythmé, combatif. On a juste le sentiment que Modest Mouse possède quelque chose d'unique de pionnier et que cet album (vraisemblablement le meilleur de leur discographie) Good News for People Who Love Bad News dont le titre symbolise bien l'univers dans lequel on pénètre: décalé, drôle, créatif, touchant...saignant!

A écouter:
Float on pour ce riff de guitare qui provoque de merveilleux frissons et pour ces choeurs brutaux qui finissent de nous achever avant que la voix bordelique du chanteur viennent nous enterrer

Black Cadillac:pour la mélodie pleurnicheuse, sa structure bien fichue et dont le refrain nous tiens à bout de souffle dans les abîmes du rock indé

(Pensez a appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson)
tilidom file storage

Alice lewis: no one knows we're here (2010)

2011-01-17T01:42:00.001-08:00

"Je pars généralement d’une image, d’une forme visuelle, et j’associe à chaque titre sa propre couleur. Puis d’autres viennent s’y mêler à l’enregistrement... Pour l’instant, pas de noir et blanc."

Alice Lewis porte bien son prénom tant le pays des merveilles qu'elle propose est fascinant. Il faut dire que son premier album n'est clairement pas son premier coup d'essai: Avec une formation aux Beaux-Arts de Cergy, où la sculpture, les installations, les bandes sonores et la pratique du chant la conduisent vers l’écriture musicale, elle se forge une perception de la musique plus picturale que littéraire. Après avoir étudier l'opéra à Pékin, puis la citare chinoise à Taïwan, elle chante pour Sébastien Tellier (‘Politics’) ou Fred Pallem (‘Le sacre du Tympan’) et compose pour la publicité (pour David Lynch notamment) et le cinéma («Le renard et l’enfant» de Luc Jaquet, réalisateur de «La marche de l’empereur»).

Cet album no one knows we're here nous entraîne dans des profondeurs abyssales où rien est simple, tout est étrange, souvent sombre, mais d'une douceur mélancolique continue. la douceur de la voix d'Alice (non sans rappeler celle d'Alondra Bentley)nous berce comme dans un rêve. le subtile mélange de la musique classique, de l’Asie, des boîtes à rythmes low-fi met en scène une musique hybride marquée par l’expérimentation, la recherche harmonique, la poésie et la littérature.

Alice Lewis ne nous facilite pas la tâche il faut s'abandonner à son album, saisir chaque note merveilleusement bien choisie pour se laisser errer dans ce monde ambigu.
Même si l'ensemble est parfois un peu trop régulier, le rêve n'est jamais vraiment le même, il y a toujours une bizarrerie à rencontrer. Sans la fougue et avec beaucoup de demi-mesure, on pourrait retrouver l'influence de Bjork dans les compositions tant l'importance accordée aux couleurs des morceaux est authentique.

Sans aucun doute, Alice Lewis a son univers à elle, et il serait fortement judicieux d'aller y faire un tour...

A ecouter:
- Play it Backwards: pour ce sentiment de douceur mélancolique majeur/mineur qui nous imprègne de son univers.

- Square: Pour le côté vintage rétro mimi qui contraste avec l'obscure tonalité de la composition que les arrangements rendent presque mystique.

(Pensez à appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson)
tilidom file storage

EP La Féline Wolf and wheel (2010)

2010-12-27T07:57:00.000-08:00

"Une chimère, sur les blasons médiévaux, c’était la tête et le buste d’une belle femme au corps de chèvre, aux pattes de lion, aux griffes d’aigle et à la queue de serpent.

La Féline, une fille et deux garçons, c’est une chimère musicale, qui a greffé le petit théâtre mental de Klaus Nomi sur le corps de Blondie, les textes dérangés de Gérard Manset et les ornements vocaux du jeune Polnareff sur de la cold-wave, du Alan Vega et du Paddy McAloon à la fois, une voix de sirène éplorée sur un corps organique de rock racé et des prothèses synthétiques".

En français, en anglais, en espagnol, on n’a guère entendu pareille chimère.
Cérébrale et charnelle, La Féline, a cette étrange idée d'agresser son auditoire par sa bizarrerie, son étrangeté, et son incapacité à se ranger sagement dans une case d'un style de musique, si rassurant pour les auditeurs frileux. Moi même j'ai souvent eu du mal à trouver la sortie de ce labyrinthe de style, souvent perdu j'ai choisi de me laisser aller à la ballade en regardant le décor, sans trop savoir, sans trop comprendre, mais comprenant clairement que je suis bien dans un labyrinthe indie où l'artiste à la véritable liberté de laisser aller son esprit vagabond au gré de ses envies sonores.

A écouter: Wolf and wheel (surement la plus accessible de cet album aussi fascinant que déroutant, pour public averti et consentant)
tilidom file storage

Concert: Jonsi (Koninklijk Circus: Bruxelles)

2010-11-23T00:46:00.000-08:00

Le monde de Jonsi est une expérience fondamentale, vitale, une expérience de musique et un peu plus encore. Le monde de Jonsi c'est aussi doux que brutal, c'est de sombres couleurs qui scintillent dans nos têtes et qui viennent flirter avec nos sens pour les prendre par surprise et finir de les séduire.

Et lorsque, en live à Bruxelles, ces bonnes vieilles métaphores prennent corps, alors ça n'est plus l'envie de poétiser l'artiste qui nous vient, mais simplement de retrouver dans son esprit chaque seconde de la trace de son passage dans notre cœur musical. Jonsi a tout bouleversé...

Si seulement il n'y avait que la musique, que l'interprétation pour nous transcender, alors j'aurais comme point de repère ces concerts qui m'ont absorbé (Bon Iver, Patrick Watson, My Brightest diamonds,...) mais ici tout s'harmonise avec ce qu'on voit sur scène, parce qu'un concert ne boude pas le plaisir des yeux. Le travail créatif apporté aux images de fond qui enveloppent chaque morceau est bouleversant, comme si Jonsi avait l'humilité de se mettre en second plan pour laisser les honneurs à sa musique et à l'émotion qu'il veut nous transmettre

C'est avec les yeux d'un enfant et le cœur d'un fan qu'on (re)découvre des morceaux que finalement nous n'avions pas compris. Au travers des éclairages surpuissants (une histoire à eux seuls) qui nous font peur, qui nous surprennent, nous hypnotisent,...ou au travers des images efficaces, brutes qui nous sont offertes, tout s'harmonise avec les notes colorés des morceaux de Jonsi et de son batteur exceptionnel.

Après avoir assisté à un concert comme celui de Jonsi, il semble impossible de savoir apprécier les autres lives comme avant. oui, vraiment Jonsi a tout boulversé...

Merci à Deschoch pour ses vidéos

Asa: beautiful imperfection (2010)

2010-11-18T03:15:00.000-08:00

Le soleil perle sur le visage, la chaleur, de beaux paysages sur une route un peu paumée, loin de tout,...l'essence même, et l'album d'ASA en même temps. Voila comment ressentir cette très très belle production de cette jeune artiste Nigérienne et de ce deuxième album beautiful imperfection. La « belle imperfection », titre paradoxe, marque bien sa volonté d’accepter le bonheur malgré les failles de l’existence des doutes, errances, colères qu’elle transforme en joie, piste à piste. Voici sans doute la raison pour laquelle cet album se danse aussi bien : comme une envie pop d’être heureuse, et de le propager.

Jeune artiste de 28 ans dont la qualité des compositions, la maturité des influences et la subtilité de la voix, donne l'impression de se retrouver en face d'une artiste qui a baigné depuis toujours dans l'aura du motown avec ces influences soul brutes que les cuivres parfait déversent sur chaque morceau, ces influences funk, afro reggae et surtout Folk indie que revendique principalement les mélodies vocales, et les cordes des guitares.
Ce métissage des styles lui permet de rentrer dans la glorieuse série des World music qui touchent même les plus exigeants.

Difficile de ne pas se laisser embarquer dans cet univers juste, mature, sucré...difficile de ne pas rêver quand elle nous offre humblement des morceaux dans sa langue natale le yoruba. Des sonorités rythmées sans l'envie de "faire semblant" mais de simplement "faire". alors elle fait et nous écoutons l'album d'une traite, comme un touriste dans un univers riche, on prend des photos on s'extasie parfois, mais avec beaucoup de tendresse et de respect. Parce que des artistes comme ça on en voit pas souvent qui sont médiatisés et, pour une fois, tant mieux qu'ASA le soit.

A écouter:
- Why can't we: pour cette joie de vivre qui nous submerge sur le refrain
- Bimpé: pour la beauté de sa langue natale

tilidom file storage

(Pensez à appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson)

Sufjan stevens: the Age of Adz (2010)

2010-11-05T08:36:00.000-07:00

Il y a ces artistes, merveilleux dont on se délecte de leurs talents inépuisables et dont on savoure profondément les influences qui les inspirent...et puis il y a ces artistes qui les influencent, ces artistes piliers, parfois presque méconnus dans l'univers populaire. Ces artistes qui définissent eux même leur style, qui ne ressemblent à personne mais dont beaucoup cherchent à leur ressembler. Sufjan Stevens est installé depuis bien longtemps à côté de elliot Smith, Jeff Buckley, Antony,... dans un des confortables fauteuils du Panthéon de ces uniques génies créatifs, et c'est de là haut qu'il envoie sans fanfares son dernier album The Age of Adz.

Sufjan Stevens ajoute une nouvelle corde à son arc qu'il nous avait laissé entrevoir dans ses récents projets, l'alliance totalement incongrue et pourtant nécessaire du Folk symphonique qui lui est cher et de l'electronica. Une atmosphère de schizophrènes intense qui nous empêche de respirer, qui ne nous repose pas mais dont on s'extasie comme une drogue dure qui fait du bien au corps.

A la différence de ces artistes dont la musique est concentrée sur la redondance comme Sigur Ros ou Mogwai qui à force de répétitions nous gravent l'essence de leur musique dans l'âme, Sufjan Stevens nous dépasse totalement, c'est la surabondance d'informations, de structures, de choix instrumentaux plus pertinents les uns que les autres, qui s'offrent à nous et qui nous assomment violemment au point de ne pas tout saisir.
Le décalage auditif des riffs symphoniques Folkeux intenses et délicats et les sonorités agressives des boîtes à rythmes et synthétiseurs analogiques est déstabilisant. On se sent perdu, oublié par l'artiste qui ne nous a pas pris par la main. Seul face à la musique...et pourtant elle est si belles...

Et pourtant même quand on trébuche, Sufjan fait en sorte que l'on retombe sur nos pattes. Parce que son timbre de voix nous est familier, parce que les flûtes enchantées qui se baladent sur les berceuses apaisées de l'album nous rappelle ses débuts minimalistes, parce qu'il n'y a aucunes fautes de goût dans les structures mélodiques.

The age of Adz est un volcan en fusion, un univers chaotique qui s'harmonise à merveille avec une douce ambiance enchanteresse. C'est un Album pour public avertis, pour ceux qui ont perdu un peu l'habitude de s'émerveiller devant la créativité, pour ceux qui en ont marre de décortiquer et d'analyser la création artistique sous tout ses coutures et qui souhaitent retrouver les oreilles candides d'un enfant qui s'émerveille devant la nouveauté parce qu'il ne la comprend pas.

A écouter:
The Age of Adz pour sa structure ultra complète et sa créativité qui représente assez bien l'ensemble de l'album

Now that I'm Older : pour l'ambiance enchanteresse propre à Sufjan Stevens et ses choeurs merveilleux
tilidom file storage

(Appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson)

Antony and the Johnsons: Swanlight (2010)

2010-10-22T01:26:00.000-07:00

Antony est un artiste exceptionnel. Exceptionnel n'est pas utilisé dans ce cas comme un superlatif superflu mais bien comme l'exception qui est caractérisé. Antony and the johnsons forment un groupe atypique qui a décidé de bouleverser les codes avec pudeur, douceur et humilité. Pour cela ils ont compté sur l'improbable vibrato d'Antony: suave, pleurant, lyrique, profond,... cette voix qui fait toute la différence, qui rend son œuvre intemporelle, indéfinissable...Antony and the johnsons c'est une fontaine d'eau froide dans un univers enchanté, incroyablement mélancolique et sombre. Antony and the Johnsons c'est savoir toucher humblement à l'essence même de l'émotion musicale.

Bien que j'éprouve une admiration sans faille pour l'artiste je reste un peu déçu de sa dernière production que j'avais "simplement adoré" mais qui ne m'avait pas éprouvé comme l'avait fait son classique i am a bird now en 2004. Et comme s'il voulait me faire un pied de nez à moi son admirateur sincère (et dévoué) il me tend habilement ce nouvel album... Swanlight le diamant brut,la beauté épurée sans artifices sans superflus.

Un piano pour orchestrer l'album, des violons qui caressent magistralement les morceaux, et la voix d'Antony qui sert d'opéra pour accueillir le tout. On se laisse balader totalement démuni devant la justesse des émotions mélancoliques qui se dégagent de l'album. On écoute silencieux le travail minutieux des sonorités étranges de certains passages. On se laisse effleurer par les instruments inattendus (clarinette, cuivres,...) qui surgissent délicatement. On admire sans rien dire, sans s'extasier devant la qualité de ses judicieuses deuxièmes voix.

Swanlight est un album créatif, intense, qui nous retourne le cœur et qui nous propose un merveilleux moment d'apaisement que seuls les plus grand artistes sont capables de générer. Absolument incontournable.

A écouter:
Flétta: parce que ce duo avec l'incroyable artiste qui l'accompagne n'a pas d'égale. Parce que les temps de silences sont merveilleusement intenses.

Salt silver oxygen: pour l'onctuosité des violons et de la clarinette qui dansent passionnément sur la voix d'Antony.
tilidom file storage

(Pensez à appuyer sur suivant pour écouter le deuxième morceau)

Tunng: ...And Then We Saw Land

2010-10-12T00:55:00.000-07:00

Il est des choses que nous ne sommes pas habitué à entendre mais dont nous avons le sentiment de connaître depuis toujours. Tunng et leur album ...And Then We Saw Land appartient à cette subtile catégorie qu'est l'électrofolk ou plus communément le Folk expérimental.Après trois albums, ce groupe d'anglais atypique, revient s'installer en chaussons dans nos écouteurs usés.

Malgré une apparente simplicité mélodique, il est difficile de ne pas se laisser emporter par cette vague étrange de sonorités Folk associées à des samples electro judicieusement insérés au point d'en oublier totalement qu'ils sont électroniques. La douceur générale de l'album, sublimée par la complicité vocale de Becky Jacobs et Sam Genders se laisse déguster comme une olive dans un verre de Martini.

Mais surement la plus grande prouesse de ces compositions se retrouve dans la minutie des arrangements de chaque morceau. Discrète, sensible, toujours nécessaire, il y a toujours ce petit plus magique dont on se demande comment ils ont réussi à l'imaginer. Des notes de piano, des percussions improbables, une sonorité étrange en arrière plan. Tout est travaillé avec beaucoup d'humilité, avec l'envie de ne pas en faire trop mais de faire ce qu'il faut. Alors on écoute ...And Then We Saw Land d'un coup d'un seul, et on attend de se laisser surprendre sur chaque piste, et on est surpris...alors ça nous rend heureux.

A écouter: Hustle pour cette introduction qui envoi le superbe riff acoustique et laisse dans nos oreilles la griffe d'une mélodie entrainante
tilidom file storage

Patrick watson: je te laisserai des mots

2010-09-29T10:58:00.000-07:00

Depuis novembre 2009 suite au concert de Patrick Watson qui est à ce jour le plus beau concert que je n'ai jamais entendu (et dont j'ai parlé ici), je cherche sur Internet sa chanson en français appelée "je te laisserai des mots" entendu notamment sur la BO de "mère et fille". Ainsi pendant presque un an je tape sans y croire dans Google le titre de cette chanson en espérant y trouver ce moment de grâce. et dès aujourd'hui mes efforts récompensés puisque au Canada la chanson est enfin disponible! c'est avec une profonde emotion que je partage cette chanson qui est définitivement une des plus belles oeuvres que j'ai pu entendre.

Vivement...

Woodpigeon: Die Stadt Musikanten (2010)

2010-09-23T03:13:00.000-07:00

Après deux albums "incompréhensiblement" ignorés par le public de l'hexagone, voici le retour de Woodpigeon (dont vous avez déjà entendu parler ici). Voici surtout le retour du folk orchestral digne de ce nom, marchant fièrement dans les pas de Sufjan stevens, et regardant dans le ciel le souvenir d'un Elliot Smith regretté.

Ce collectif de Calgary (11 musiciens, parfois 16 sur scène) habilement leadé par Mark Andrew Hamilton, n'en finit pas de nous surprendre. Comme toujours le travail vocal reste le même, la voix principale doublée et renforcée par une multitude d'autres voix laisse toujours trainer ses fins de notes(parfois de manière un peu excessive), la guitare et l'impressionnant violon sont toujours là, mais la véritable surprise vient de nouveaux instruments plus subtils et particulièrement bien agencés comme ce délicieux hautbois sur Such a lucky girl par exemple.

L'ensemble de l'album me paraît plus varié que le précédent mais un peu inégal. Certains morceaux font un peu trop échos à leurs compositions antérieures. mais d'autres nous envoient dans la tronche un lyrisme bouleversant sans jamais en faire trop, ni tomber dans le burlesque.

Woodpigeon c'est ce groupe mélancolique qui ne nous rend jamais triste, c'est ce chanteur à la voix douce, berçante qui pourtant s'invite avec son orchestre dans notre imagination pour y mettre un agréable désordre.

Alors oui woodpigeon est un collectif peu connu, mais en y réfléchissant ils méritent vraiment de rester une perle rare que seuls quelques chanceux auront la chance d'écouter en profondeur.

A écouter:

And as the ship went down: parce que la deuxième partie du morceau est tout simplement hallucinante d'intensité (et parce que ça n'aurait pas déplu à Iron and Wine)

Such a lucky girl: pour sa jolie structure au demeurant simpliste mais qui s'avère bien plus riche

(pensez à appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson)
tilidom file storage

Kelli Scarr: Piece (2010)

2010-09-13T05:34:00.000-07:00

Pour les rares lecteurs qui n'ont pas encore fréquentés le blog de musique de Saab je vous incite vivement à y faire un tour. En plus d'y trouver des perles indie absolument merveilleuses vous ferez la connaissance de l'univers de cette blogueuse à qui je dois cet album bouleversant de Kelli Scarr.

En plus de m'avoir offert gracieusement l'album du somptueux groupe Colour of Clouds dont j'avais évoqué l'EP ici elle m'a offert en surprise cette petite perle qui a littéralement chamboulé mes oreilles au point de les avoir squatté sans relâche depuis.

Cette américaine, dont certains auront reconnu la voix mélancolique du dernier album de Moby: Wait for Me, a déjà fait ses gammes avec les fameux Color of clouds (je comprend mieux maintenant, Saab)dont elle reprend magistralement en acoustique deux de leur titres!

Cette album Folk aux sonorité Cat Power est d'une douceur enivrante. Jamais vraiment triste, jamais vraiment heureux on retrouve sans grande originalité les ingrédients de la musique indie: un piano sobre et épuré d'effets, une petite guitare pour les pointes de mélancolie, une voix enlacée dans un effet reverb marqué, et surtout des mélodies d'une efficacité absolument imparable. comme cette première chanson salt to the sea qui monte en puissance pour exploser dans des dernières secondes d'une infinie tristesse.

Kelli Scarr c'est un peu la fille candide qui donne le sentiment d'avoir vécu et de laisser trainer sous ses semelles usées le poid des émotions de la vie, et c'est avec une espèce d'humilité qu'elle nous les proposes en espérant qu'on ai l'oreille attentive pendant qu'elle a le dos tourné.

A écouter: Salt to the sea tellement la redondance de la structure mélodique et l'harmonie des voix nous prépare à ce très très beau finish qui n'en fini pas de me séduire
tilidom.com

Merci encore Saab

Vidéoclip: Josh Ritter

2010-08-09T06:48:00.000-07:00

Dans la catégorie clip merveilleux qui accompagne musique merveilleuse "l'anonyme du 28 mai" m'a gentiment proposé ce merveilleux clip de Josh Ritter sur le morceau The curse. Le clip a été réalisé par Liam Hurley. Je n'ai hélas pas ressenti une émotion aussi vive à l'écoute de tout l'album, mais les amateurs de Elliot Smith y trouveront quand même de quoi se délecter.

Merci Anonyme du 28 mai pour la découverte

Mother mother: Oh my heart (2008)

2010-08-05T01:02:00.000-07:00

Vieux de plus d'un an et demi, l'album Oh my heart de Mother Mother débarque enfin en France et autant dire que pour les amateurs de pop mélodique c'est une sacré bonne nouvelle.

Ce groupe canadien (encore et toujours), leadé par Ryan Guldemond et complété d’un très séduisant double chœur féminin (Jasmin et Molly) a cette faculté imparable de générer des morceaux un peu inoubliables, des morceaux dont on retient la structure complexe à la première écoute et dont on arrive pas vraiment à se lasser. Ce genre de morceaux que l'on passe en soirée, ou que l'on met dans sa voiture et qui font plaisir à tout le monde... De bons morceaux en somme.

Mother mother, c'est avant toute chose un don incontestable pour les mélodies vocales et les doubles voix. Souvent négligées, les mélodies vocales de la voix efféminée de Ryan Guldemond portent littéralement chaque morceau par la créativité et la puissance narrative qui s'en dégage. Mais ce qui les rend réellement magiques se sont bien les deuxièmes et troisièmes voix de Jasmin et Molly. Toujours judicieusement placées, et incroyablement bien trouvées (pas cette seconde voix facile où l'on descend bêtement d'une tonalité pour suivre la mélodie principale comme on le retrouve souvent dans la Pop de bas-étages). Les filles créent leur propres structures, ce qui donnent à l'ensemble une vivacité unique et surprenante.

Ajouté à cela une faculté de structurer chaque morceau autour de multiples transitions et vous vous retrouvez avec des morceaux complexes mais jamais difficiles à apprécier. Oh my heart est ce genre d'albums qui ne nous surprend pas, mais dont on est surpris à les écouter encore et encore et encore au point de connaître par cœur chaque titre et au point de ressentir une joie intense lors d'une écoute surprise de ce groupe décidément très très talentueux.

Encore un groupe qui va m'accompagner sous le soleil de l'été...

A écouter:
- Body: pour ce décalage majeur/mineur hyper harmonieux et la force du duo violon/batterie qui soutient les 3 voix. Magique!

- Ghosting: pour cette émotion de l'arpège guitare, la superbe et enfantine deuxième voix de fin qui accompagne ma mélodie vocale préféré de l'album

(pensez à appuyer sur suivant pour écouter la deuxième chanson sinon vous n'aurez que la première ne boucle)

tilidom.com

Angus et Julia Stone: Down The Way (2010)

2010-07-21T05:30:00.000-07:00

Dans la famille Stone, je demande un frère et une sœur qui composent et interprètent ensemble des gourmandises Folk exaltées dans une mélancolie indie. Et voila qu'on me sort Angus et Julia d'Australie et leur troisième album plein de délicatesse acoustique de mélodies harmonieuses où deux voix s'entremêlent aussi bien qu'un rapport amoureux dans un lit d'arrangement soignés, minutieux et carrés.

Le ton est donné, Down the way sera cet album doux de l'été, celui dont les mélodies resteront dans nos têtes quand on s'évadera ailleurs le temps d'un morceau.

Mais derrière la minutie de l'enregistrement (pas une rature sur la copie) et la gentillesse se ces compositions, se cache une douloureuse et sombre mélancolie qui nous assomme violemment au point d'aller chercher les notes dans nos tripes,
comme si on se faisait gentiment caresser par une lame de rasoir.

Angus et Julia ont une façon assez unique de créer les larmes avec un piano, une guitare, un harmonica, et le souffle de la voix. Les paroles sont rudes, les voix sont tristes et les mélodies sont belles, le cocktail parfait pour ressentir toute la nostalgie qui fait du bien que seule peut nous rappeler la musique.

Ce contraste merveilleux qui nous invite à ressentir des sentiments variés sont à l'image de cet album: personnel, intime et inventif. La complémentarité des voix enfantines des Stone nous offre une savant mélange de ce que le folk Indie se vante de nous apporter: de l'émotion brute, limpide, incarnée!

A écouter: (et dur fut le choix)
- And the boy: pour la douceur légère et parfumée de la voix de Julia
- The devil's tears: pour l'arrivée successive des quatre voix finales et pour tout le reste
tilidom.com

Christopher Smith: The Beckon Call (2010)

2010-07-21T05:15:00.000-07:00

«Le chant d'amour est une chanson triste, c'est le son de la douleur elle-même." Nick Cave ne s'était pas trompé à l'écoute de ce séduisant album de Christopher Smith. Mélancolique et d'une douceur poignante, c'est tout un atmosphère qui enveloppe les morceaux, enlacés dans une guitare acoustique, une voix murmurée et des arrangements timides.

Et c'est bien l'atmosphère qui nous marque parce qu'il est bien difficile d'identifier l'identité de chaque morceau. Souvent composés sur la même tonalité, sur une rythme similaire..., en fait chaque morceau se ressemble plus ou moins mais l'émotion de chacun est subtilement unique. On a le sentiment de redécouvrir un amour doux, feutré, émotif, ces chansons d'amour de romantiques introvertis. Ici aucun lyrisme, juste des petites berceuses simples, épurées, et parsemées d'un courant sombre qui rappel une forme de mélancolie.

Christopher Smith est un artiste visuel! et sachant qu'il a travaillé dans l'univers de l'image à Vancouver, on comprend mieux pourquoi chaque morceau se visualise, s'imagine, se rêve un peu à l'image de ce que propose Kings of Convenience (en peut être un peu moins précis ou puissant).

Cet album The Beckon Call n'est pas une révolution, c'est un verre d'eau fraiche en été, c'est une branche de palmier en plein soleil, une berceuse dans une nuit d'adulte.

A écouter: Hit the Ground Running pour cette mélodie vocale nuancée et cet atmosphère saisissant!
tilidom.com

Vidéo: To build a Home - Patrick Watson

2010-07-16T05:55:00.000-07:00

En cette période de vacances, pour ceux qui n'ont pas la chance de quitter des yeux leur PC et dans l'attente de nouvelles découvertes musicales, je vous invite à vous délecter de ce merveilleux morceau du collectif The Cinematic Orchestra interprété et composé par Patrick Watson, paru sur l'album 'Ma Fleur' (2007), illustré par ce petit court-métrage mélancolique de toute beauté de Erik Koene. un petite piqure de rappel ne fait de mal à personne surtout quand la musique est si belle!

Sia: We Are Born (2010)

2010-06-24T02:31:00.000-07:00

Nous l'attendions et il est arrivé, le dernier album de Sia, cette Australienne atypique qui avait fait chavirer le cœur des musiciens avec son déchirant Breathe Me sur l'album Colour the Small One en 2004.
C'est donc avec les larmes Tri-hop qu'elle avait séduit la musique, c'est avec la joie pop qu'elle achèvera nos cœurs conquis.

Pourtant rien n'était joué d'avance. Émerveillé devant son clip You've Changed (visible là) mais pas enchanté par la musique qui allait avec, j'avais peur d'un virement pop électro inapproprié à son talent; et à la première écoute de son album ma perception s'avérait juste! à ce moment là....

Car Certes c'est sans doute l'album le plus pop de l'artiste mais c'est également le plus travaillé. Je me demandais pourquoi certaines mélodies me restaient dans la tête après leur écoute, c'est à ce moment là que j'ai saisi mon renfermement dans le passé artistique de l'artiste, convaincu de l'entendre à nouveau dans les petites perles "mélancolico-pop" qui faisait son charme (aaah Moon, tu restes ma préférée)We are Born n'était pas ce à quoi je m'attendais. Et puis l'écoute de Never Gonna Leave me m'a ouvert les yeux. Sia joue de la Pop et elle le fait bien. Très très bien même. En même temps il faut voir son entourage pour la construction de l'album: Beck, Turin Brakes, le producteur de Lily Allen et Kylie Minogue,...

C'est bien d'ailleurs l'ambiance Lily Allen qu'on retrouve, sans la provocation, avec l'humilité, l'humeur de l'été, le soleil,...Des mélodies vocales puissantes bercées par des rythmes popisés à mort, des schémas très classiques mais des arrangements d'une finesse d'horloger, des secondes voix minutieuses qui changent toute la donne. We are Born est un tout, un album qu'on écoute en boucle sans s'en rendre compte et qui stimule notre bonheur enfoui.

Je sais déjà ce que je vais écouter dans ma voiture pour les vacances et à ce moment là, dans la chaleur, sur les routes de France, entre amis chantant en chœurs, je sais déjà que l'instant sera mémorable! Merci Sia

à écouter: You Never Gonna Leave Me (Parce que c'est avec cette chanson l'album s'est révélé à mes yeux)
tilidom.com

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros: Up from Below (2009)

2010-06-20T14:27:00.000-07:00

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros est un groupe heureux qui représente à mes yeux tout ce que la musique devrait symboliser: l'harmonie, l'émotion, la pureté, la créativité, la personnalité et la technique.

Avec une facilité et peut être une naïveté déconcertante ce groupe américain dégage un bonheur éblouissant dans leurs compositions.

Alex Ebert (alias Edward Sharpe) a commencé à travailler sur l'histoire d'une figure messianique du nom d'Edward Sharpe. Selon Ebert, Sharpe "aurait été envoyé sur terre pour guérir et sauver l'humanité" Ebert a ensuite rencontré la chanteuse Castrinos Jade à Los Angeles pour en tomber amoureux et former un groupe avec elle et lui dédiant un grand nombre de ses chansons d'amour. Dans un autobus scolaire Ebert et Castrinos ont alors parcouru le pays avec un groupe de musiciens.

Idyllique romance qui justifie la puissance émotive de leur travail et qui crédibilise leur bonheur de chanter ensemble. Et autant le dire ça se ressent!
A travers des hymnes surpuissants, balancés au grès des cuivres et des violons et bercés par de rythmes lourds, imposants, somptueux, Edwards Sharpe parle d'amour comme un Hippie parle de son âme.

l'ensemble de l'album est un travail harmonieux digne des envolés d'Arcade Fire, mais avec une créativité Folk indie limpide et nuancée.

Le chanteur Alex Ebert s'arrache dans des aigus funky tout en balançant certaines graves épiques qui mettent en avant la voix conviviale de Jade.

Cet album enregistré dans une ambiance d'un live n'est que le teaser de concerts qui s'annoncent aussi beau qu'un couché de soleil comme le prouve cet innommable concert de la blogothèque qui m'a donné tellement de frissons que je ne pouvais que la partager!

A écouter:
- 40 day dream pour l'hymne fédérateur et pour rendre hommage à la musique!
- Home: heu.....pour les mêmes raisons
tilidom.com

Même chanson mais en live cette fois-ci! Merci la Blogothèque

Ashtar Command...

2010-06-12T10:11:00.000-07:00

Je n'ai jamais eu autant de mal à trouver des infos sur un groupe. Ashtar Command me donne de fil à retordre mais le potentiel qui se dégage des rares morceaux écoutables est absolument énorme.
J'ai découvert ce duo absolument mystérieux lors du générique de fin du Jeu Video Red Dead Redemtion. Comme quoi la bonne musique arrive à des moments où on s'y attend le moins. Avec le Morceau Dead Man's Gun d'une sensibilité poignante. Curieux je m'intéresse au groupe et découvre un myspace "Pink Floydien" entre le décalé et le spirituel.

en parallèle du groupe, le terme Ashtar command semble appartenir à un mouvement sectaire totalement barré avec tout plein de charabia cosmique et pseudo-théologique. je ne m'aventurerai pas dans une description plus appronfondie...

Il n'empêche que ce côté décalé se ressent dans l'apparence et la communication de ce groupe bien étrange, mais c'est bien la dimension spirituelle qui domine dans leurs productions musicales. Un travail mélodique hyper soigné, des arrangements électroniques fins et subtils, une voix douce qui vient titiller nos sens, avec l'envie évidente de se laisser intérioriser.

Leurs morceaux ont fait leur apparition dans quelques séries: Grey's anatomy, The OC ou Ugly Betty, et il semblerait qu'un album (2008) soit disponible quelque part dans la stratosphère... et voila je n'en sais pas plus et c'est très frustrant mais c'est pourtant bien mon écoute du moment.

(si vous avez des infos je vous laisse me les fournir que je puisse actualiser ce post)

A écouter:

- Holding out for love: pour la partie instrumentale appaisante et hyper efficace qui intervient du quart jusqu'a la fin de la chanson et qui dure 4 minutes.
- Dead man's gun: pour sa douceur, ses doubles voix graves troublantes, et ce petit riff final au synthé qui me trotte dans la tête.

tilidom.com

clip: Hold your Horse, 70 millions (2010)

2010-06-03T03:09:00.001-07:00

Un clip absolument extraordinaire, autant que ce groupe Franco américain.
Un petit rappel de notre culture histoire de l'art. Une réalisation méticuleuse et perfectionniste, pleine de finesse et de sensibilité artistique. Chapeau bas!

Karaocake: Rows & Stitches (2010)

2010-06-02T05:44:00.000-07:00

Karaocake,où l'art de se définir pudiquement dans ce registre fascinant qu'est l'Indie Minimaliste. Une musique dépourvue de fioriture pour humecter l'atmosphère d'un son brut, épuré, où l'intensité se camoufle dans les fougères d'une apparente facilité mélodique. ce 2 juin l'album est dans les bacs, on ressort le Lo-fi et on se fait plaisir.

Tout repose sur l'utilisation du piano électrique de sa sœur, d'une "cheap" boite à rythmes et des synthés analogiques, ce mélange fait maison n'est évidemment pas sans rappeler les créations d'Au revoir Simone avec la créativité enfantine de Cocorosie en version plus Pop/rock, là ou les sœurs Bianca sont dans du Folk indie.

Camille (la chanteuse) enregistre donc dans sa chambre, acoustique de la pièce et son pourri génèrent alors un effet personnel absolument brillant.

Les mélodies vocales dégagent un hymne un peu naïf, soulevé par une voix sans fioriture, sans effet. une voix bien brute (presque Karaoke), ce qui rend la production sincère voire émouvante et qui a le dont jouissif de traîner dans la tête.

cette marmite de créativité a vraiment le goût de nombreuses influences: outres les premières citées plus haut on peut y entendre certaines sonorités de chez April march, Liz Phair, Of Montreal,...

Ambiance electro Pop sur l'album mais une émotion très personnelle à chaque morceau, c'est surement la plus impressionnante prouesse de Karaocake. entre le noise, le mélodique, le rock et l'indie minimaliste, l'album Rows & Stitches est pour les amoureux de la musique pure, la musique en Do Majeur pas la musique qu'on Analyse et qu'on fini par comprendre au bout de la trentième écoute, la musique mise à nue. Pour ceux-là et pour ceux qui aiment se rappeler que les plus belles musiques peuvent sortir de n'importe quel jouet, mais que le talent ne s'invente pas.

A écouter (Au regard de l'originalité mélodique de chaque morceau ce fut très dur de choisir):
- Change of Plans: c'est brute, c'est simple, mais l'âme y brule de mille notes.
- Never Sure pour ces façons d'amener des chœurs que j'adore toujours autant
- Not trying hard enough parce que c'est une des meilleures chanson de clôture d'album que j'ai entendu. Mélodie lancinante presque épique
tilidom.com

Merci à Clapping Music pour l'album

EP Thos Henley (2010)

2010-06-01T05:29:00.000-07:00

Pour la deuxième fois (depuis la création de ce blog) on me propose de parler de la sortie de l'album d'un artiste. Une fois le communiqué de presse lu, et l'EP écouté c'est avec plaisir et fierté que je partage mon avis sincère et surement pas télécommandé sur Thos Henley ce petit nouveau dans l'univers du Pop/Folk indé.

Ce jeune Anglais atypique adopté par Paris n'est sans doute pas une personne ordinaire puisque le groupe Syd Matters lui a accordé l'immense privilège de s'occuper de leurs premières parties. La curiosité a alors laissé place à l'envie soudaine de découvrir les productions de cet artiste que l'on décrit comme un grand romantique émotif et généreux. Autant dire tout ce que j'aime!

Pas de doute sur la marchandise, ces 5 chansons présentes sur l'EP s'inscrivent dans l'univers Folk/pop. la surprise est venue du fait que j'ai ressentis sur ces morceaux une influence américaine plus qu'Anglaise (a chacun de juger). Cette influence bienvenue représente à mes yeux sa véritable force autant que sa faiblesse.

Sa force car Thos Henley dispose d'un petit vibrato subtil de toute beauté, qui donne à sa voix de la puissance tout en dissimulant une fantastique douceur, une douceur qui se retrouve dans ses compositions.

Sa faiblesse car, comme souvent dans le folk américain, les 5 compositions présentées se ressemblent un peu trop. Cadencées par une guitare acoustique et renchéries par des riffs de guitares, et motivées par de belles mélodies vocales.

L'ensemble est d'excellente facture, et je suis curieux d'en entendre plus, mais je regrette le manque de nuance, les compositions se structures toutes en majeurs et pas une ne propose une rythmique atypique. En fait l'ensemble me semble plus Pop emballée dans du Folk plutôt que du Folk couvert de poudre Pop.

Thos Henley m'a fait quand même un forte impression est sa voix a embellie toute ma matinée. L'idée de me balader dans les rues avec ses chansons dans les oreilles m'enchante littéralement.

A écouter: Henrietta pour ses petites montées de lyrisme romantique consolidé par la subtilité de son vibrato. Un petit bijou
tilidom.com

Video: Ben Lee - WWF

2010-05-28T03:03:00.000-07:00

Space Chimp from Sydney on Vimeo.

En prime de la critique du dernier album de Ben Lee, voici la fameuse vidéo de WWF qui me l'a fait découvrir
Enjoy...

Ben Lee: the rebirth of venus (2010)

2010-05-28T02:33:00.000-07:00

Le chanteur (et acteur) Australien Ben lee revient en 2010 avec un nouvel album The rebirth of venus. Un album pop heureux comme un jour au soleil qui, sans en faire plus, fait du bien aux oreilles!

Je connaissais Ben Lee grâce à mes écoutes attentives de la série Grey's Anatomy dont la BO de chaque épisode ne tombe jamais très loin de mes aspirations musicales. La chansons Catch My Desease avec ses chœurs enjoués et ce sentiment fraternel de passer la soirée avec le chanteur à chaque écoute m'avait bien conquis sans me transcender pour autant.

Puis est sortis le nouveau Spot pub de la WWF qui, au delà de sa somptuosité scénaristique, puise tout sa force dans la chanson qui l'accompagne composée par (oh surprise) Ben Lee. Séduit/itunes/porte monnaie/et me voila avec son dernier album.

Les chœurs qui m'avaient tant marqué sur certaines de ces précédentes chansons sont toujours là plus heureux que jamais. Et c'est bien la marque de fabrique de Ben Lee. Ce sentiment de communauté presque Hippie qui se ressent sur ces mélodies aux tonalités en Majeur secrètent un parfum de gaité qui nous démontre que la pop peut aussi savoir se faire entendre et que les artistes Folkeux tourmentés que j'adore (aaaah Bon Iver) ne sont pas les seuls dominants de l'univers Indie!

Ben lee fait simple mais il le fait bien! composition acoustique structure très classique mais forte puissance narrative sur des thèmes archi classiques fonctionnent merveilleusement bien pour peu qu'on se délie des chaines de la critique musicales de haute volée.

Allongé dans l'herbe une fleure entre les dents le temps d'un souvenir de woodstock (que j'aurais tant aimé connaître) et laissez Ben lee s'occuper le la musique...

A écouter: Song for the Divine Mother of the Universe parce que c'est vraiment ma préférée.
tilidom.com

Jónsi: Go (2010)

2010-04-30T06:25:00.000-07:00

Jon Thor Birgisson, alias Jónsi est un personnage profondément troublant tant il symbolise l'artiste dans toute sa pureté. Son album solo Go n'en est que la représentation parfaite. Les amateurs fanatiques de Sigur Ros dont je fais fièrement partie attendaient avec une impatience évidente l'arrivée de se tsunami musical (Les versions que nous pouvions entendre sur son site avaient provoqué coulé de bave sur le coin de mes lèvres).

Dès la première piste, dès les premières notes, le ton est donné nous retrouverons les aspirations acoustiques de Gobbledigook, et ça n'est pas peu dire...

Go est un album qui se délie de toutes chaines pour revendiquer avec puissance sa liberté musicale. Les instruments tourbillonnent flutes, clarinettes, caisse claire,violon,... tel un vol d'oiseaux groupés dansant en harmonie dans un ciel sans nuages. Poussé dans un élan naturel le rythme nous transperce et l'envie d'exploser bouillonne comme les envolés lyrique de la voix si lunaire de Jonsi. Avec Go Do, Animal Arithmetic ou encore Boy Lilikoi, Jonsi nous fait partager sa fougue pleine de transcendance que les choeurs apportent à son apogée.

La différence musicale est cependant flagrante entre ses autres projets et cet album. Beaucoup plus vivant beaucoup plus libéré, structuré autour de tonalités plus acoustiques mais consolidé par ces arrangements éléctros toujours plus maitrisés les uns que les autres.

Bien que certains morceaux proposent quelque chose de moins intense (Kolnidur ou Grow Till Tall), cet album reste une expérience de vie à prendre avec toute son âme les enceintes à fond, les yeux fermés, et le cœur libéré planant au gré des mélodies comme un oiseau dans le ciel.

A écouter: Go Do et Boy Lilikoi pour être libre, l'espace de quelques minutes
tilidom.com

Fredo Viola: The Turn (2009)

2010-03-22T05:48:00.000-07:00

« Tous mes morceaux sont en charabias au début » « Ce qui est marrant c’est qu’une fois que j’ai fait le son, il me reste en mémoire et je peux le répéter encore et encore. Donc je suppose qu’il provient d’une partie plus profonde de moi-même. Je trouve gênant d’avoir à penser à des mots en écoutant de la musique. Cela tire l’auditeur hors du torrent des émotions. Je préfère me concentrer sur l’émotion plus forte et abstraite que l’on tire de la musique.» Fredo Viola

L'essence de Fredo Viola que j'ai eu la chance d'écouter lors du concert de Patrick Watson se retrouve dans cette citation. Surprenant album que The Turn. Aussi redondant et déroutant que fascinant.
La plupart de ces morceaux qui naissent d’improvisations, sont construits autour de multiples lignes vocales, d’harmonies et de contrepoints. Des instruments électroniques ou acoustiques s’ajoutent pour sublimer cette intense émotion offerte.

C'est un album qui ne s'écoute pas à la légère. Il faut le prendre à bras le coeur! Il faut se laisser envahir par l'intimité de Fredo Viola et sa voix cristalline. Alors chaque harmonie vous griffera avec une profonde douceur et s'encrera dans vos oreilles pour n'en sortir une fois l'émotion apaisée.

Pourtant tout n'es pas parfait. Certains morceaux sont beaucoup plus légers et parfois redondants. Une petite lassitude vient nous titiller à des moments où l'on souhaiterait s'investir pleinement dans l'album.

Fredo Viola reste sans aucun doute un artiste exemplaire de personnalité et de puissance émotionnelle.
Une expérience à vivre...

A écouter: Sad Song pour sa tristesse infinie que la simplicité de la structure transcende pour nous faire saisir le message de manière brutale
tilidom.com

"Clip" The Light of Life, Debussy - “Clair de lune”

2010-03-11T05:11:00.000-08:00

Parce que la poésie ne fait de mal à personne...
Debussy non plus d'ailleurs

The Light of Life from daihei shibata on Vimeo.

Tom Mc Rae: Alphabet Of Hurricanes (2010)

2010-03-02T07:44:00.000-08:00

Tom Mc Rae revient avec ce nouvel album "plus ou moins attendu" Alphabet Of Hurricanes.
Plus ou moins car si ces 2 premiers albums avaient véritablement marqué ma fin d'adolescence, les autres, sans être mauvais avaient un peu sombré dans l'indifférence, fruit des travers de la forte concurrence.
Cela dit Plus que moins parce que Tom Mc Rae c'est une belle intensité en concert et parce que son deuxième album Just Like Blood, j'y reviens encore très souvent. Alors un peu inquiet mais sans hésitation j'ai plongé dans son oeuvre, et le résultat s'avère payant.

Alors certes la surprise n'est plus on reconnaît l'animal à ces premières notes, et certes aussi, l'ensemble est parfois un peu inégal. Mais Tom Mc Rae a encore la force de nous surprendre avec ses arrangements d'un fine et originale simplicité comme l'utilisation bienvenue d'un Yukulele ou de cœur de basse plein de froideur.

Des mélodies toujours prévisibles, mais une sensibilité inattendue, faussement motivée mais complètement fragile à l'image de son premier album.
Tom Mc rae est un artiste intense qui parfois nous emmène dans une étendue de notes déjà conquises mais qu'on traverse avec plaisir, voir avec nostalgie.

Alphabet Of Hurricanes n'est pas un album incontournable, mais c'est un album qui fait du bien, libéré de toute contraintes aux tonalités acoustiques, une ambiance délicate qui nous berce tendrement.

A écouter
I still love you: Un yukulélé plein de finesse pour une chanson mélancolique
tilidom.com

Clip: Grizzly Bear, Ready Able (2009)

2010-01-28T07:16:00.000-08:00

Ready, Able- Grizzly Bear from Jöl Brito on Vimeo.

Un clip de Grizzly Bear aussi étrange que déchirant au thème "Gondrifié" et tout ça en stop motion.
Le morceau n'est pas le meilleur de ce groupe génial, mais il colle merveilleusement bien à l'ambiance. enjoy

The Antlers (2009) Hospice

2010-01-22T08:48:00.000-08:00

Quel groupe étrange que The Antlers, ce trio basé à Brooklyn, New York. Et cet album qui est aussi étrange que le groupe lui même. J'ai l'image d'une émotion et rien d'autre, l'image d'un groupe qui n'a voulu signifier qu'un sentiment sans se restreindre à une structure classique, un quota de chanson joyeuse, malheureuse...
The Antlers c'est simplement la même veine que Bon Iver: c'est un Fuck aux labels qui les ont refusé longtemps faute de ne pas être suffisamment conventionnel.

Et le souffle de Bon Iver s'éparpille bien sur cet album dont la voix cristalline du chanteur fait appel à nos souvenirs récents pour y retrouver le timbre de Justin Vernon.
Toute cette mélancolie au profit d'une histoire : ce disque raconte l’histoire d’un traumatisme vécue dans l’enfance du leader du groupe, Peter Silberman. Un traumatisme entraînant des séquelles irréparables et ayant pour objet la mort d’un être cher. L’histoire inclue des lits d’hôpitaux, des cauchemars, des fantômes, une tentative de suicide...

L'ambiance sans pathos, mais d'une infinie tristesse, est autant marquée qu'un vibrato de Anthony and the Johnsons.
Mais certains élans piochés chez Arcade Fire nous redonnent une force inattendue. Car oui cet album nous déstabilise, nous fait perdre pied, mais dans un climat harmonieux, où le message de l'artiste passe aussi simplement qu'une larme coule sur une joue.

A écouter: épilogue, pour la voix mélancolique boulversante
tilidom.com

Hommage: Lhasa De Sela

2010-01-05T05:31:00.000-08:00

Le premier janvier Lhasa de Sela nous a quitté (commençant ainsi 2010 sur une note bien désaccordée). Restant fidèle à la communauté Indie qui a retrouvé en elle un talent plein d'étincelle, je lui rend hommage à ma manière, en redirigeant vers ce duo avec Patrick Watson: dont la mélodie mélancolique me semble appropriée.

Lhasa : Between the bars

Hey Ocean: It's easier to be somebody else (2008)

2009-12-22T03:23:00.000-08:00

Hey Ocean est un groupe généreux! Voila au final ce qui en est sorti de mes longues écoutes de ce groupe de Vancouver et de leur merveilleux album: It's easier to be Somebody Else sortie en 2008.

Généreux parce qu'il est évident que ces quatre musiciens ne sont pas nés de la dernière pluie et que leur connaissances et leur sens de la musicalité est ouvert à tous les horizons (Pop, soul, Funk, Rock, Rap,..) Et pourtant se dégage une accessibilité déconcertante dans leurs mélodies, comme s'ils ne souhaitaient pas se complaire dans l'univers élitiste de la musique indie. Chaque hymne, est fait pour être chanté, dansé, fredonné par tous, pour (j'imagine) vivre un live dans une harmonie parfaite. (Pour que les fantastiques Cat Empire les aient choisi en première partie, il faut forcément qu'ils soient dans ce registre).

Avec Ashleigh Ball à la Voix (et quelle voix) et à son originale Flute traversière, David Beckingham (voix et guitare), Dave Vertesi (voix et bass) et Adam Cormier (batterie) Hey Ocean nous emmène loin, très loin, dans leur monde. Un monde heureux où l'on retrouve un groupe parfaitement soudé et chargé d'humilité à en voir les vidéos. Passant de la ballade immersive où la voix de Ashleigh nous apprendrait à devenir amoureux, aux Hymnes fédérés à coup de Lalala chantés en choeur.

Hey Ocean a un talent subtile, celui d'aimer la musique au point de ne pas vouloir s'enfermer dans un style défini et complaisant qu'il soit celui des chartes ou celui des indépendants. il joue simplement pour nous rendre amoureux de leur travail. et le résultat est garantie.

A écouter:
- Alleyways: c'est doux, c'est touchant, c'est très très beau dans leur redondance musicale.
- Too Soon: une structure pop pleine de finesse ancrée sur la voix de Ashleigh Ball
- Fich: structuré de manière intriguante ce final pop réinvente la maitrise du "lalala" en choeur.
tilidom.com

(en cadeau cette vidéo sur alleyways très bien montée et d'une sincérité poignante. Si elle ne vous donne pas le sourire,....c'est que vous ne l'avez pas regardé)

(oh allé et puis celle là! mais c'est tout !!!)

Videoclip: SIA, You've changed

2009-12-22T03:16:00.000-08:00

Dans la catégorie clips originaux voici le nouveau clip de Sia
Petite perle suédé ou Gondrifié (comme vous voulez) plein de pèche et de créativité

Cela dit en tant que convaincu absolu du talent de Sia, je reste un peu sceptique à l'écoute de ce morceau qui me semble relativement faible par rapport à ce qu'elle a déjà pu produire. J'ai tout de même hâte d'entendre l'album parce que je suis convaincu de retrouver les merveilles entendues sur son album Colour the Small One avec Breathe me, ou Moon, par exemple.

Ofrin: One shore Remain (2009)

2009-12-02T06:01:00.000-08:00

Grâce à l'infinie Générosité de SAAB j'ai eu l'opportunité de mettre la main sur l'album d'Ofrin. Ce groupe dont les 2 leaders sont la chanteuse israélienne Ofri Brin et Oded K. dar (qui se sont rencontrés lors de leurs service militaire en Israël) est un mélange de musique Jazzy lounge expérimentale et de pop indie. Des influences soupçonnées du côté de chez Bjork, il est merveilleux de se laisser surprendre par cette atmosphère digne de l'air respirable de groupes comme Portishead.

Purifié dans une ambiance aussi douce et tendre que sombre et tendue, on reste complètement indécis quant à la perception qu'il faudrait avoir de chaque morceau. Des notes de piano, une guitare électrique parfaitement réglée, une batterie subtilement imposante, des prises de risques sur certains morceaux, toute l'ambiance s'emmêle dans une parfaite harmonie qui apaise.

La voix de Ofri Brin, parfois soufflée, parfois mélancolique façonne de façon retro chaque mélodie que les arrangements discrets orchestrent.

Merci SAAB pour ce cadeau doré.

A écouter
Il fut bien difficile de choisir tellement chaque morceau a sa propre personnalité:

- Better by far
- Dry

tilidom.com

concert Patrick Watson: Aeronef (2009)

2009-11-30T09:46:00.001-08:00

Je l'attendais,je l'ai eu et je n'en suis pas sorti indemne. Patrick Watson m'a emporté comme la vague géante du Tsunami de la musique en Live. Parce que Patrick Watson ne fait pas seulement de la bonne musique c'est surtout un artiste qui vous enfonce doucement dans son cocon pour ne jamais vous laisser en sortir, gravant à jamais les marques vives d'un souvenir ému.

Pour la magie de cet atmosphère et de son "Exxxccellent" français

Dans cette minuscule salle qu'est l'arrière salle de l'Aeronef où 200 misérables privilégiés ont assisté a ce qu'ils ne pouvaient pas encore entrevoir, j'attendais avec impatience cet artiste qui fut ma révélation de l'année 2008 (avec Bon Iver et Noah and the whale bien sûr) je savais que ses concerts étaient prenant, de sages amis m'avaient prévenu, mais j'étais loin de me douter de l'impossible présence scénique de Patrick watson, de la qualité technique de ses musiciens (aaaa ce batteur), de la créativité magique d'un groupe qui en plus de retravailler chaque morceau, d'y ajouter des sons improbables, de chanter sans micro, de descendre chanter avec la foule, de communiquer avec humour et simplicité,.... arrivaient également a vous immerger grâce à la maestria des éclairages dans leur petit monde où soudainement rien d'autre n'avait d'importance que leur musique.

Alors nous avons beaucoup fermé les yeux, oubliant la chaleur et la fatigue d'être debout, et nous avons un peu tremblé quand il nous a proposé sa chanson en français qui restera dans ma mémoire comme étant le rappel le plus émouvant de mon expérience Live.

pour la magie que donne cette chanson

Un concert où il serait criminel de ne pas être allé.

Videoclip: AK VON MALMBORG - AUTOSTRADA AV KÄRLEK

2009-11-04T05:30:00.000-08:00

En ce moment le manque de temps m'empêche de découvrir de nouveaux albums, alors je me suis dis que poster des clips originaux qui me permettent de découvrir et faire découvrir une excellente musique serait une bonne alternative pour ne pas laisser mon espace sombrer dans les méandres obscures de l'oubli.

Aujourd'hui donc:Anna Karin ('AK') von Malmborg une suédoise qui a sortie son album en début d'année. Ce morceau mélangeant une joie Pop communicative et un effet un peu vieillot kitsch est extrêmement rafraîchissant. Peu friand habituellement de cette tendance actuelle à vouloir impérativement faire revenir l'ancien au goût du jour au lieu d'essayer d'explorer le nouveau, je me laisse séduire par cette voix naïve et ce clip désaccordé et jouissif qui m'a laissé sans voix.

Merci une nouvelle fois à SAAB la source de tant de découvertes improbables

Noah and the whale: The first day of Spring (2009)

2009-10-07T08:57:00.000-07:00

Noah And the Whale est un groupe absolument fascinant, aussi énigmatique que le timbre de voix du chanteur Charlie Fink. Leur dernier album The first day of spring sorti début octobre dont j'imaginais une structure hyper rythmée et péchue (on ne change pas une méthode qui marche) est en fait une petit pousse fragile beaucoup plus douce que leur première oeuvre.

Fini la voix féminine de la chanteuse partie en solo, mais bienvenu à une voix du chanteur principale beaucoup plus précise et très bien développée. toujours un timbre grave, toujours le sentiment que la frontière de la fausseté va ouvrir et qu'il va s'engouffrer dedans, mais jamais il ne tombe. D'harmonieuses mélodies nous bercent tout au long d'un voyage fascinant proposé par un groupe que l'on sent toujours aussi solidaire et généreux. Des riffs plus calmes mais qui se mémorisent toujours parfaitement et un violon encore plus essentiel que sur le précédent volet.

Noah and the whale s'est découvert un nouveau registre la mélancolie et en plus de leur style festif et entraînant il faut avouer que ça leur va très bien. Mention spéciale à Our Window, et my Broken earth dont le violon nous ballade dans des passages d'une profonde poésie. Des titres du nouvel album The first day of Spring sont en écoute sur une vidéo que j'avais posté ici. Absolument merveilleux

Un léger regret que les 2 instrumentales (de qualité) ne soient pas intégrée dans la chanson qu'elle soutient. On a le sentiment d'avoir perdu deux pistes. mais étant donné la qualité de ce que le groupe nous propose on pardonne les bavures.

Il ne nous reste plus qu'à attendre le film que le groupe à réalisé en lien direct avec l'album et dont on attend la sortie avec une impatience totalement démesurée.

A écouter:
- Instrumental 1 :(introduction pleine de promesse au titre suivant)

- Love of an Orchestra (la pêche au grand choeur orchestré par Noah And The whale et ses cordes magiques)

- Our windows (la nouvelle sensibilité mélancolique sur une tonalité grave superbe)

tilidom.com

Kings Of Convenience: Declaration Of Dependence (2009)

2009-09-30T06:32:00.000-07:00

Il y a ces groupes que l'on a peur de trouver ennuyeux, ou lassant au fur et à mesure que l'album se délivre, on écoute un album sur un fil, on a peur de tomber, de dégringoler dans les méandres d'une déception que l'on ne voudrait pas connaître tant l'admiration est forte et dont on se surprend à chaque fois de ne pas être tombé mais belle et bien de s'être envolé. Kings Of Convenience fait partie de ces groupes.

Après Quiet Is The New Loud (2001) et Riot On An Empty Street (2004), le duo norvégien s'apprête à sortir son troisième album. Retour de la pop folk atmosphérique sur le nouvel album Declaration Of Dependence dont la sortie est prévue pour le 5 d'octobre 2009.

Alors certes nous nous laissons balancer sur le film d'un album éperdument mélancolique, où sécrète une douce nostalgie, de la ballade au coin d'un feu avec de véritables amis musiciens et pas les bons potes à la guitare. Un doux voyage dans des souvenirs que nous n'avons pas vécu, mais que King Of Convenience nous fait partager.

Bercée dans l'ivresse de ces deux guitares qui s'entremêlent, qui dialoguent entre elles et ces deux merveilleuses voix soufflées, c'est la redécouverte de la simplicité, de la musicalité à l'état pur. C'est un album libéré de toute pression, avec une musique libre comme un vent léger.

Moins triste que les précédents albums on se laisse surprendre par une fausse gaité sur Boat Behind, ou Power of Not Knowing, mais c'est tout de même dans les douces et douloureuses plaintes que l'essence magique de ces norvégiens fait place à toute la fièvre de nos sens musicaux.

chaque chanson est la crainte de la musique sans âme et ennuyeuse et chaque morceau est la surprise agréable d'y retrouver une histoire, un monde entier doux et confortable décoré comme toujours par ces influences Simon & Garfunkel, Belle & Sebastian,...

Declaration Of Dependence est dans cette longue liste d'albums qu'on ne saisi pas toujours du premier coup, mais qu'on retrouve à un moment où l'écoute est propice et où l'on saisi la véritable merveille qui s'en dégage. comme si nous étions sans cesse à la recherche de la musique perdue, et que soudain, nous l'avions retrouvée.

A ecouter:
24-25 un fantastique duo à 2 voix en introduction de l'album comme pour prévenir d'une douce mélancolie avec une deuxième guitare qui nous propose un somptueux voyage

tilidom.com

The Cinematics: Love And Terror (2009)

2009-09-23T02:34:00.000-07:00

Ca n'est pas peu fier que je chronique le premier album demandé par un internaute. l'album envoyé, le CP aussi, et après plusieurs écoutes dans des contextes différents, me voila fin prêt.
Le plus objectif possible mais avec beaucoup de rigueur, et au risque et péril du groupe parlons de The Cinematics et de leur nouvel album Love And Terror.

Première écoute: "tient ça ressemble à du rock "Old school", ma première impression fut la bonne. En effet chargé de guitare saturées et d'effets U2esques, retour sauvage et presque nostalgique dans les années 90. Cet album écrit dans une caserne désaffectée qui reflète les tourments d'un groupe sur le fil, est relativement bien construit.
En fait c'est une petite débauche d'énergie qui est mise en musique.

Puisant des influences (beaucoup trop) certaines dans l'univers U2, Bloc Party, et The Veils, (entre autres) on retrouve ces structures classiques de morceaux régies par une guitare électrique dont le boulot et d'imposer le riff structure de la chanson. les rythmes qui doivent en jeter un max lors de festivals sont bien pensés, la voix est bien professionnelle (merci bloc party) mais très très classique.

En fait le véritable problème est là. Soucieux de l'originalité et de l'univers démarqué d'un artiste, je ne retrouve ici que des copies très bien réalisées d'autres artistes. Le son des guitares, les multi effets déjà tellement entendus ailleurs m'empêchent de savourer des morceaux qui défoulent comme ceux que proposent the cinematics.

The cinematics est sans conteste un groupe de concert; un groupe qui doit à coup sûr, foutre le feu à la scène, et pour les avides de nostalgie des groupes révolutionnaires des années 90, il serait dommage de se priver d'une écoute tout de même agréable, mais qui ne rentrera pas dans les grands livres poussiéreux des tauliers du rock British.

A écouter:
- New Mexico (parceque je retrouve une petite touche de The Veils, et franchement on va pas s'en plaindre!)

- Love and Terror (le petit riff légèrement tarantinesque qui touche ma sensibilité cinéphile, et les effets made in U2 pour la nostalgie)

tilidom.com

Concert Noah and the Whale (Café de la danse)

2009-09-21T08:46:00.000-07:00

A l'occasion de la sortie du nouvelle album aujourd'hui de Noah and The whale j'en profite pour partager leur prestation de vendredi Au Café de la danse à Paris

Qu'ils est agréable de se délecter de l'ambiance festive de ce groupe surprenant.
A paris, Noah and the whale a fait le show!

Dommage que la salle non climatisée soit plus bouillante que le public étouffé.
Dommage que les guitares saturées aient été trop présente au détriment d'un violon trop discret.
Dommage enfin que la moitié du concert fut des chansons de leur nouvel album que seuls les bloggeurs, geek fans dévoués ont pu écouter en fouillant le web (ici, notamment).

Cela dit Noah c'est une intensité phénoménale centrée autour de chansons remarquables qui nous rappellent qu'on a bien fait d'y aller.

Merci à Kkuetteuh pour ses vidéos
et à lofiphil également

EP: The silent Years (2009)

2009-08-30T07:05:00.000-07:00

Pour ce retour de vacances une petite découverte que j'ai faite début août: The silent Years.Je ne sais pas grand chose du groupe mais ce qui est certains c'est que cette Pop indie a été un véritable régal pour les oreilles lors de chaleurs estivales.
Incroyablement bien construits, les 6 morceaux de cet EP dégagent une étrange sensibilité. Puisant des influences certaines dans les mélodies vocales de Arcade Fire ou dans les rythmes puissants des cuivres de Sufjan stevens.

Chaque morceau est un moment fort. les mélodies sont très (trop) structurés en de nombreuses parties distinctes qui empêchent parfois la distinction de chaque morceau. Mais au bout d'une certaine écoute l'ensemble s'emboite comme des légos et notre subjectivité musicale est conquise au point de fredonner ardemment les envolés vocales lyriques bercées dans une multitudes d'effets envoutants.

A écouter
Madame Shocking pour cette fameuse complexité musicale et cette aisance dans l'art des effets.

tilidom.com

http://www.myspace.com/thesilentyears

Woodpigeon: Treasury Library Canada (2009)

2009-08-09T06:37:00.000-07:00

“Woodpigeon joue de la pop quasi-orchestrale de l'outre-Monde” cette description révélatrice que l'on retrouve sur leur site Internet en dit long sur la tonalité que s'est créée le groupe. Ces canadiens reviennent en 2009 avec ce deuxième album d'une finesse infinie. Ce mélange de pop/Folk sortie des greniers de la simplicité est une fourmilière de détails fascinants et de notes judicieuses.

Après avoir tourné avec Grizzly Bear et Iron & Wine entre autre on comprend mieux cette proximité avec la légèreté un peu irréaliste et surtout Hypra imaginative de leur composition. On y retrouve de fortes influences du maestro Sufjan Stevens, ou Beirut, pour cette facilité à concevoir des arrangements fédérateurs, mais j'y ai surtout retrouvé la facilité mélodique de Elliot Smith et cette fascination pour les structures en apparence simplistes et qui se révèlent en véritables joyaux.

Woodpigeon c'est cette incroyable faculté à proposer des mélodies simples qui, soudainement, des jours plus tard, nous reviennent dans la tête avec une élégante surprise. Un groupe à écouter de toute urgence pour la majesté des violons enfantins, des arrangements planant et des passages d'un lyrisme merveilleux qui nous rappellent que les plus beaux morceaux son souvent les plus atypiques.

A écouter:
- Knock Knock pour cette guitare vibrante et plaignante somptueuse
- Tic Tac Toe/woolen ending pour cette seconde partie d'une délicate puissance narrative.

tilidom.com

http://www.myspace.com/woodpigeon

Alexa Woodward: Speck (2009)

2009-08-01T01:58:00.001-07:00

Alexa Woodward m'avait troublé une première fois sur Youtube mais pas assez pour que je m'y attarde plus. Et puis Saab a posté un petit article préventif d'une futur critique de son prochain album et j'ai soudainement eu le déclic. Cette jeune new Yorkaise et son Banjo est une sublime représentation du folk indie que j'apprécie tant.Savoir faire du magique avec du déjà vu!

En effet cette "folkeuse country" nous propose de voyager dans un univers fascinant d'intimité à l'aide de sons acoustiques redoutables où les percussions invisibles prennent vie dans le claquement unique du banjo présent sur toutes les chansons.
C'est à la fois ce qui fait sa force et sa faiblesse car toutes les chansons sont construites de manière similaires. Une suite d'accords archi classiques structurés souvent autour d'un LA mineur, Fa, DO, SOL, et parsemés de seconde voix et de mini arrangements.

Mais dans ce registre là Alexa Woodward a un talent absolument incroyable. La maîtrise parfaite de la seconde et troisième voix qui impose une intensité fantastique, l'arpège judicieux du banjo, la finesse d'une discrète contrebasse, arrivent à créer une harmonie millimétrée où tout est fluide, évident. plus que l'originalité des morceaux c'est la perfection de la mélodie vocale qui intrigue, au point de ne plus se rendre compte que le son est du "déjà vu".

Merveilleux moment de musique, si on se laisse embarquer, le voyage qu'Alexa woodward nous propose est un véritable instant de bonheur. laissez vous tenter.

A écouter:
Plants (fédérateur et convivial, sublimes chœurs et deuxième voix)
tilidom.com

http://www.myspace.com/alexawoodward

Maia Hirasawa: GBG vs STHLM (2009)

2009-07-13T06:13:00.000-07:00

Maia Hirasawa est une suédoise d'origine japonaise qui vient de sortir un deuxième album d'une "Popitude" absolument incroyable. Après un premier album en 2007 remarquablement entrainant, bourré d'hymnes fédérateurs que l'on fredonne avec exagération, sa nouvelle cuvée est surprenante de finesse.
La particularité de cet album c'est le mélange savant des instruments tout plus sensés et légitimes les uns que les autres. Jamais un élément de trop mais toujours un ajout qui procure un frisson de plaisir. Jouant allègrement du sifflement aux chœurs de soirées, des clappements de mains à des rythmes soutenus, tout est mis en œuvre pour que l'auditeur se téléporte dans un monde de fantaisie et de joie communicative.
Cependant Maia Hirasawa n'oublie pas les ballades charmantes à l'image de Come with me et ce fantastique duo au piano avec une voix masculine de toute beauté. Ce mélange de pop aux tonalités indie est véritablement unique sans pour autant être novateur.

C'est un album sans prétention révolutionnaire mais qui maîtrise somptueusement son sujet et qui ne s'abandonne jamais à la mélodie molle, niaise et facile qui s'infiltre parfois dans l'univers Pop.
Je recommande très vivement son écoute à tous.

A ecouter:
- south again (une fantastique mélodie de piano véritablement transcendée par des violons furieux)
- come with me (une mélancolique ballade en duo somptueux)
- i woke up (l'apogée de la mélodie fédératrice et conviviale)

tilidom.com

http://www.myspace.com/maiahirasawa

Vidéo: Noah and the Wale (2009)

2009-06-29T08:42:00.000-07:00

Dans la mêmes série que la précédente vidéo de Patrick Watson postée plus tôt, il m'est une nouvelle fois impossible résister de poster cette somptueuse soirée Fiume Night filmée une nouvelle fois par l'incorrigible Vincent Moon. Je ne sais pas si ces morceaux sont des reprises ou les futures pépites du prochain album de Noah and the Whale, mais ce qui est sûr c'est que j'aurais donné très cher pour être à cette soirée à l'intimisme absolu.

Fiume Night 14.1 _ Noah & The Whale _ williamsburgh, april 2009 from vincent moon / temporary areas on Vimeo.

Merci à Vincent Moon pour cette vidéo

Vidéo: Patrick watson et Lhasa (cover)

2009-06-25T00:42:00.000-07:00

Ayant la volonté de ne pas m'éparpiller et de rester fondamentalement sur des avis de nouveaux albums, il m'était pourtant impossible de résister de poster cette vidéo de Patrick Watson et Lhasa reprenant Between the bars de l'immense Elliot Smith, filmé par l'épique Vincent Moon. Depuis la cover (venant justement de la Blogothèque) de Chris garneau de cette même chanson, impossible alors, d'imaginer une meilleure performance et pourtant...

Merci à Fab pour cette superbe découverte
et bien sur à Vincent Moon pour l'avoir filmé

Alondra Bentley: Ashfield Avenue (2009)

2009-06-24T02:41:00.000-07:00

Suite à la claque que je me suis prise sur le blog de Saab (encore et toujours) en écoutant la jeune Alondra Bentley, je me suis dis qu'il était vital que je me procure l'album de cette petite libellule et que j'en profite pour partager mon avis.

Alondra Bentley est née en Angleterre mais a passé la plus grande partie de sa vie en Espagne. Elle y a enregistré son premier album sorti en mars dernier intitulé Ashfield Avenue en référence à la rue où elle est née.
C'est un véritable phénomène que cette artiste fantastiquement minimaliste. De ses gentilles petites chansons jamais prétentieuses, se dégage une envie de s'envoler, une envie de soleil de nature et de chant de colibri.

Structurés autour d'une guitare charmante et d'une voix à peine travaillée à l'apogée de la simplicité, ces morceaux d'une profonde douceur reflètent tout le romantisme d'une voix adolescente qui devient tellement sincère qu'elle arrive à nous convaincre et nous faire voler dans ce joyeux monde. Cet épurement d'effets inutiles est tout de même consolidé par un enregistrement studio d'excellente facture où les arrangements discrets servent parfaitement la thématique de la chanson.

En jouant les philosophes on peut aller jusqu'à ressentir de la Catharsis dans cet album et si je veux étayer mes propos je finirai en citant un extrait du concept d'Aristote sur ce sujet qu'il serait judicieux de lire en écoutant l'album entier de cette petite douceur qui fait du bien à la musique:

« Nous voyons ces mêmes personnes, quand elles ont eu recours aux mélodies qui transportent l'âme hors d'elle-même, remises d'aplomb comme si elles avaient pris un remède et une purgation. (...)[les gens], d'une façon générale, sont sous l'empire d'une émotion quelconque pour autant qu'il y a en chacun d'eux tendance à de telles émotions, et pour tous il se produit une certaine purgation et un allégement accompagné de plaisir. Or, c'est de la même façon aussi que les mélodies purgatrices procurent à l'homme une joie inoffensive. »

A ecouter:
- ...
- Sunglasses

tilidom.com

http://www.myspace.com/alondrabentley

Alela Diane: To be Still (2009)

2009-06-22T12:08:00.000-07:00

Pour son deuxième album studio, Alela Diane reste fidèle à ses principes, une "vieille âme" spontanée qui touche les racines du folk américain où les paysages historiques se reflètent dans une voix si particulière. une ensemble envoutant où une guitare joue au chat et à la souris avec un violon, le tout bercé par un ensemble d'arrangements épurés. Un ensemble au son pur, souvent cristallin, une musique de grenier un peu immortelle, complètement intemporelle.

Hélas cet album s'essouffle assez vite. La faute à des morceaux qui se ressemblent tous. Souvent construits de la même manière, la belle use du même artifice de séduction sur chaque chanson: ce cassage brutal dans la voix qui passe d'une voix de gorge à une voix de nez d'une façon époustouflante tel le hurlement d'un loup d'Arizona. Une plainte harmonieuse mais trop redondante ce qui perd en charme. Une guitare acoustique en arpège régulière, qui donne le tempo, la mesure et la tonalité. Peu d'originalité mais beaucoup de spontanéité.

On se laisse donc embarquer dans un long voyage sauvage soufflé par un vent musical naturel. Un album à vivre tout de même.

A écouter: White as diamonds

tilidom.com

http://www.myspace.com/alelamusic

Colour of Clouds: The Look EP (2009)

2009-06-14T09:52:00.000-07:00

Colour of Clouds est un groupe New Yorkais, et comme beaucoup de groupes New Yorkais, ils sont particulièrement talentueux pour distiller une musique indie, pleine de poésie pop, de douceur presque électro et de sincérité folk. Parce que Colour of Clouds, c'est avant tout un groupe doux reflété par les simples et sobres voix de Kelli Scarr et Dan Chen, des gouttes de Cat power, Feist, et autres ruissellent de cet EP aux 5 chansons fines, agréable, très "cities". La musique que l'on écoute dans les immenses rue de la grosse pomme, ou qu'on retrouverait aisément au détour d'un délicieux moment dramatique d'une série américaine romantique.

Devant une musique si légèrement voluptueuse et avec un nom de groupe si bien choisi tellement cette musique semble refléter la lumière au travers de doux nuages blancs,
il ne reste pas grand chose à en dire, mais beaucoup à écouter.

Left You: aussi volage que l'envol de mille papillons lors d'un levé de soleil

tilidom.com

http://www.myspace.com/colorofclouds